歌剧2教学

① 声乐教学的歌剧简介

意大利歌剧（佛罗伦萨歌剧、罗马歌剧、蒙特威尔弟、威尼斯歌剧、那不勒斯歌剧）、法国、英国、德国歌剧。
（一）不同区域、不同时期、不同风格的歌剧，对声乐演唱产生的不同影响。
（二）代表人物、代表作、歌剧题材、艺术特征、主要贡献产生的影响
（三）康塔塔和清唱剧
康塔塔和清唱剧于17世纪中后期基本定型，它们和歌剧有着许多相近之处和密切的关系。 （1）康塔塔是为歌唱家、合唱队和器乐演奏家而写的作品。
（2）康塔塔的艺术特征：以数字低音伴奏、若干首宣叙调和咏叹调交替出现的声乐套曲。
（3）康塔塔和歌剧的主要区别：前者为室内乐，后者为舞台艺术。
（4）康塔塔的题材和形式都与歌剧接近，但室内演唱没有布景、道具、服装，时间也较短，在15分钟左右，像是独幕歌剧。使用美声唱法，对观众欣赏水平相对要求较高，营造出一种谐和舒适的演出气氛。
（5）人物介绍：
(a)意大利作曲家亚力山德罗、格兰迪是第一个正式以康塔塔称呼其作品的人。
(b)亚·斯卡拉蒂：优秀的康塔塔作曲家，创作了600余首康塔塔。 （1）16世纪末正式形成。
（2）介于康塔塔和歌剧之间的形式。
（3）是一种以听觉为主的艺术形式，故事的展开、情节的叙述、人物塑造，都依靠歌唱和剧中的负责人“叙述者”的道白，没有表演动作，无需服装布景。
（4）以圣经故事为题材，由独唱、重唱、合唱组成，管弦乐队伴奏的多乐章大型声乐套曲。
（5）大多数情况下在教堂演唱、圣乐音乐会演唱，以及大斋节和剧院停演季节用以代用歌剧。
（6）清唱剧最有影响的代表人物有介绍：
A、意大利作曲家贾科莫·卡里西米，代表作《耶弗地》；
B、德国作曲家许茨，代表作《耶稣的临终七言》、《圣诞清唱剧》、《路加受难曲》、《约翰受难曲》、《马太受难曲》。
这一时期的宗教歌曲在声乐领域占有半壁江山，但与宗教歌曲分庭抗礼的是德国艺术歌曲，他是17世纪产生的一种新的声乐体裁。以民歌旋律为基础，与日常生活紧密联系，唱法灵活，题材也宽泛，形象也生动。这些都为德国艺术歌曲问世，奠定了良好的基础。

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③ 唱法的歌剧与美声唱法

美声的发展与歌剧的诞生有密切的关系，如果说阉人歌手的出现奠定了美声唱法的基础，那么歌剧的诞生和发展又从更符合歌唱艺术发展的文化层面促使了美声的发展。歌剧诞生于文艺复兴运动的极大影响之中，当时，佩里、卡契尼、蒙特威尔第等作曲家，在歌剧创作中为了仿效希腊悲剧的朗诵调，他们使旋律与歌词内容、情绪变化，以及语言的起伏紧密结合，在歌剧中主要起着展开情节的作用。他们突破了传统和保守的束缚，创造了采用自然声音，由各角色来演唱自己段落的宣叙调演唱形式。为了使宣叙调的演唱更具有古希腊人在广场上演悲剧朗诵的那种声音效果，就不能采用声音微弱的童声和假声，而需要采用有足够气息支持，有丰厚声音共鸣，丰满宏亮而咬字清晰、真切、并富于穿力的声音。“这些就促使佛罗伦萨小组的成员除了创作之外，还必须研究解决如何演唱的问题，于是就在前人，特别是维基的三幕仅供清唱用的16世纪恋歌剧《安菲帕那索》的演唱经验基础上，发展出了美声唱法”(摘自尚家骧的《欧洲声乐发展史》)。卡契尼提出要以宏亮致远的声音演唱歌剧的要求；蒙特威尔第则进一步使歌剧音乐戏剧化，写出了歌唱性的宣叙调和具有强烈感染力的咏叹调，这些都使得歌唱家们感到提高自己的演唱能力和技艺是良好表现音乐作品的基本保障。同时，蒙特威尔第在威尼斯建造了世界上第—座歌剧院，使歌剧从最初的宫庭和贵族的厅堂走入了正规的歌剧院，也为社会各阶层的观众提供了良好的欣赏场所。这样，随着观众层次的扩大，欣赏要求不断提高，必然地促使歌唱家们开始研究训练完善他们的歌唱技术，以便自己的演唱能达到卡契尼、蒙特威尔第所提出的宏亮、致远、富于戏剧性的声音要求。于是，许多卓越的歌唱家以他们高超的演唱技巧、华丽的嗓音，穿过庞大的乐队“音墙”，清晰地把歌声送到剧场的每个落，征服了观众，使歌唱艺术达到了新的高峰，所以可以说“美声”随着歌剧而得到极大的发展，是文艺复兴时期人文主义思想在音乐艺术上的表现；它不仅是一种歌唱技术和一种演唱网络，而且还是一定美学原则和艺术思想的体现。
透过17世纪欧洲诸多乐派中最具影响力的四大歌剧乐派佛罗伦萨乐派、威尼斯乐派、罗马乐派、那波里乐派对演唱风格的要求，我们不难看出它们对“美声”的发展的重大意义。
佛罗伦萨乐派：在佛罗伦萨歌剧乐派中有—个小组，他们突破传统的演唱形式，采用自然的声音，男演男角，女演女角。在贵族的宫庭里，在文人的聚会上他们都会尽情地演唱，弗朗西斯科·卡契尼就是当时最早、最优秀的女歌唱家之一。为了能使演唱再现古希腊人在广场上演出的悲壮效果，佛罗伦萨小组的成员开始了对声音及唱法的探究。传统的童声或假声已不能满足现实的需要，一种强调充分的呼吸，丰满、明亮的共鸣，清晰真切的咬字及宏亮而致远的音质的演唱要求被提出。他们不仅创作歌剧，而且还要不断地对演唱、发声的技巧进行研究。于是，随着《达芙妮》、《犹丽狄契》等抒隋音乐剧的诞生而产生了代表佛罗伦萨乐派风格的演唱要求：在自然、朴素的演唱基础上要求甜美、柔和、典雅，旋律优美抒隋给人以舒适之感。
威尼斯乐派：在17世纪的歌剧史上，蒙特威尔第创立了威尼斯歌剧乐派，为早期意大利歌剧奠定了基础。如果说佩里和卡契尼是歌剧音乐抒隋的创始人，那么蒙特威尔第则是音乐戏剧性的创始人，可以说歌剧诞生在佛罗伦萨，发展在威尼斯。蒙特威尔第创作的宣叙调加大了乐队伴奏的比例，丰富和烘托了独唱的气氛，他的第一部歌剧《奥菲欧》与佩里和卡契尼的《犹丽蒂契》来自于同—题材，而他写出了戏剧性的悲剧效果。在歌剧的创作上，蒙特威尔第首先使用了减七和弦，大胆地使用了转调和半音音阶，在乐队伴奏上，他首创了弦乐器的拨弦和揉弦的技巧。威尼斯乐派使歌剧走向社会，并使其走上了“花腔”——加花演唱的道路，他们追求华丽的演唱技巧和声音效果，他们以高超的声乐技巧出现在舞台上，引起了阵阵狂热。这种戏剧性的宣叙调和咏叹调使Bel canto的演唱获得了更大的表现力。
罗马乐派：作曲家卡瓦里埃原是佛罗伦萨人，后定居罗马，成为了罗马有名的作曲家，同时也成为了罗马乐派的代表人之一。歌剧这种体裁在罗马乐派中成了宗教的附属品。卡瓦里埃在宗教的气氛包围中，创作了寓言性的，颂扬封建道德的歌剧《灵魂与肉体》，以他为代表的罗马乐派的歌剧创作虽然在题材和形式上模仿佛罗伦萨乐派，在演唱上局限于宗教风格，但同时也具有自己的特点，在舞台布景、装置、服装上追求富丽豪华的场面。
那波里乐派：17世纪下半叶，意大利的歌剧被那波里歌剧乐派所取代，同时也为Bel canl0的演唱提供了更广阔的天地。其中包括A·斯卡拉蒂。A·斯卡拉蒂是一位颇有才能的作曲家和歌唱家，他创作的歌剧具突破性，使美声从此走向一个新的发展阶段，而且也逐渐形成了那波里的美声风格：重视声音的明净、优美的音质和华丽的声韵效果。同时，他还为社会培养出了许多教授美声的教师。
十七、十八世纪美声的演唱风格具体表现在：
1．要求演唱者深入理解歌词，力求自然质朴，追求高度的艺术表现。
2．培养声音的美学观念，提高鉴赏力，使演唱更加合乎美声的要求。
3．歌唱中特别强调气息的控制，强调Legato(连贯性)及音色的优美，要求歌唱中语气富于变化，情感表达真挚。在即兴演唱高难度的华彩乐段时，要求严格的音准和节奏，流利灵活的乐旬，松弛、明亮、丰满的声音形象。
随着美声的成熟，它在声音训练方面的各种技术也日趋规范，主要表现在以下六个方面：
1．正确的呼吸。美声强调呼吸是歌唱的基础，要求“用气息托住声音”，肯定了胸腹式呼吸法，提出用调整呼吸状态来调整歌唱状态的观点。
2．准确的起音。认为美声只有完成良好的起音，才能获得轻松柔和、明亮圆润的声音。而要完成良好的起音，一定要正确呼吸，喉头稳定、思想集中、心理上作好充分准备，声带积极闭合。著名声乐家加尔西亚具体地概括出起音的要领：舌头平放、准确地唱到音高，平稳而不能滑动。
3．声音的连贯性。美声强调保持音质的一致、声音位置安放不变，音与音的连接讲究平滑匀净，音量渐强渐弱控制自如。
4．声音的灵活性。18世纪比较崇尚花腔技巧和复杂的装饰音演唱，所以美声注重训练声音的灵活性，发展音域，打开喉咙，锻炼声音的控制能力应多练习快速音阶、快速走句、跳音，要求声音清晰明亮而准确。
5．声区与共鸣。声区是一个复杂的技术问题，很多专家对此都有自己的理论观点。但无论将声区如何划分，Bel canto都始终坚持在教学中统一声区，并认为声区是教学的关键，声区与共鸣是相辅相成的。要达到音色统一动人，富有穿透力，共鸣的位置必须相对稳定、准确。
6．吐字和语言，歌唱要有良好的语言习惯。美声要求语言中每个元音的发声是清晰准确的，歌唱中的元音转换要圆润、流畅，只有这样，Legato的原则才能在吐字和语言中得到真正的体现。
由此可见美声是借鉴、融合了圣咏、阉人歌手高超华丽的演唱方法，伴随着歌剧的创始与发展，逐渐成熟和完善并成为—个科学的声乐体系，它能在世界声乐史上达到一个光辉的顶峰，所依靠的正是那些严格、准确的技术要求和训练，依靠的正是那些动人的声乐作品和杰出的歌唱家们炉火纯青的高超技艺。由于“美声”这种歌唱方法与风格，很快得到欧洲各国声乐表演和声乐教学的采用和接受，并在它的发展中，逐步从地区性扩展为国际性，形成一种具有演唱风格，声乐技术，美学原则和教学理论的声乐学派。

④ 如何更好地将歌剧艺术带入高中音乐课堂

在当前信息化时代，信息技术日益繁荣，在社会各个领域都有着广泛应用。其范专围很广，教学属中的信息技术多指不同于传统教学方式，与计算机、网络通讯技术等现代高科技有关的技术，能够通过多种渠道快速搜索并获取所需信息，而且能够对信息进行现场处理，从而提高教学效率。就高中音乐教学而言，以往黑板、录音机必不可少，但现在可直接使用投影仪和计算机，不但提高了教学效率，而且可充分利用网络资源。

⑤ 如何让小学音乐教学高效精彩

一、创设情境，美化课堂
一堂课要上得让学生热爱并感兴趣，教师就要像变魔术一样，创造一种吸引力，来点燃学生的智慧，让学生发挥自身的聪明与才智，从中获得认知的成功和喜悦。叶圣陶先生说：作者胸有境，入境始与亲。学生情感的触发，一般与一定的情境有关。其实教学中创设情境就是一个吸引的过程，学生在这过程中受到感染产生兴趣，促使他们积极的参与课堂教学实践，抒发他们的情感体验，从而进一步促进学生个性的发展。教学中创设各种各样美好的情境，很容易触及学生的内心世界，激发他们的情绪想象，使学生在创造和表现的同时得到了思想上的教育，体现了音乐潜移默化的育人作用。
二、有效性的组织教学
组织教学的方式方法，应注意各阶段学生的心理、生理特点，低段学生应该多用引导、鼓励、表扬等进行诱导；中段则应多采用启发、思考、发现等方式进行疏导。另外，教师在组织教学中应结合自身各方面条件，扬长避短，使自己始终保持一定的权威性、示范性，减少失误。
1、成功的一半在于良好的开端
在以审美为核心的音乐课堂教学中，教学导入的作用在于中断学生的日常经验，唤起其对音乐课的审美注意，引导学生参与音乐情感的交流，燃起学生对音乐的审美渴望。音乐课堂的教学导入就像歌剧作品的序曲一样，结构虽短小，但正是由它引导人们进入音乐的特定情景。一段充满新意而又匠心独具的音乐课堂教学导入，对成功上好一堂课关系极为重大。它可以吸引学生的注意力，也容易激发学生的兴趣，增强学生的不就知欲，进而有效地调动学生学习的主功性和积极性，长此久往，学生对所学习的音乐兴趣浓厚，课堂上学生兴致盎然，教者得以应手，学者轻松愉快。
2、巧妙的衔接
教学环节之间，新旧知识之间，衔接巧妙，课堂教学就会流利顺畅。选择恰当的教学方法，使各环节自如地过渡，课堂教学便能保持整体性。直观的让学生在兴趣中深化到本堂课的教学目标，这样的衔接，既自然又简洁，学生接受也不难。
3、发挥教师的个人魅力。
作为一个好老师他能够用自己特有的魅力来吸引学生的注意力。首先，教师在教学中应该注意自己的语言。上课时，除了要有洪亮的声音以外，教师的语言要贴近学生的年龄特点。对于小学低年级学生来说，在教学时我们应该采取较通俗的、充满关爱的语言，让学生更多的感到老师的和蔼可亲，从而愿意与老师相处，形成对老师的信任，这样他们也就会在上课时，把注意力集中在学习中。其次，教师要有广博的知识。随着科技的进步和发展，现代学生所接触的事物也越来越多，只靠书本知识已经不能满足部分学生的需要。每当在课堂中涉及到一些课外的小知识时，学生的注意力往往会加倍地集中。
4、精彩的结束
一台戏，一部电影，必定有高潮。同样，一堂音乐课也应该有高潮之处。这个高潮一般宜在一堂课的结尾。高潮往往是课堂教学的华彩乐段，此时是学生注意力最集中，兴趣最浓厚，积极性最易发挥的时刻，教师要充分利用这一有得时机，推敲再三，精心设计，可以在生动的故事中结尾，也可请演唱水平高的学生演唱或全班学生不拘形式的演唱等等。
把一堂课的结尾搞得生动活跃，热闹非凡，使学生像听小说连播，或听故事那样撩人心绪的悬念中盼望下周音乐课的到来。
三、提高有效教学的趣味性。

⑥ 音乐巨人贝多芬 教案

路德维希·凡·贝多芬 （1770－1827） 伟大的德国作曲家、维也纳古典乐派代表人物之一。 贝多芬1770年12月16日生于莱茵河畔距法国不远的小城--波恩。他的祖父是波恩宫廷乐团的乐长，父亲是一个宫廷男高音歌手。贝多芬自幼便已显露出他的音乐天才，父亲急于把他培养成为一个象莫扎特那样的神童，从小就逼着他学习钢琴和小提琴，八岁时他已开始在音乐会上表演并尝试作曲，但是，他在这段时期中所受的音乐教育一直是非常零乱和没有系统的。
贝多芬全部资料
一、英雄交响曲

贝多芬的心中充满了自由、平等、博爱的理想，他是1789年法国资产阶级革命的热烈拥护者。1798年，柏纳多特将军(1763-1844)出任法国驻维也纳大使，贝多芬常到他的家里，并和他周围的人有密切的交往。1802年，贝多芬在柏纳多特的提意下，动手写作献给拿破仑的《第三交响曲》。在他的心目中，拿破仑是摧毁专制制度、实现共和理想的英雄。1804年，贝多芬完成了《第三交响曲》。正当他准备献给拿破仑时，拿破仑称帝的消息传到了维也纳。
贝多芬从学生李斯(1784-1838)那里得知这个消息时，怒气冲冲地吼道：“他也不过是一个凡夫俗子。现在他也要践踏人权，以逞其个人的野心了。他将骑在众人头上，成为一个暴君！”说着，走向桌子，把写给拿破仑的献词撕个粉碎，扔在地板上，不许别人把它拾起来。过了许多日子，贝多芬的气愤才渐渐的平息，并允许把这部作品公之于世。1804年12月，这部交响曲在维也纳罗布科维兹亲王的宫廷里首次演出。1805年4月在维也纳剧院的第一次公开演出，是由贝多芬亲自指挥的，节目单上写着：“一部新的大交响曲，升D大调，路德维希·凡·贝多芬先生作，献给罗布科维兹亲王殿下。”奇怪的是，贝多芬不说是降E大调，而说是升D大调。1806年10月总谱出版时，标题页上印着：英雄交响曲为纪念一位伟人而作。从此，《第三交响曲》就被称为“英雄交响曲”。

二、命运交响曲
贝多芬的《c小调交响曲》(作品67号)开始的四个音符，刚劲沉重，仿佛命运敲门的声音。这部作品因此被称作《命运交响曲》。《命运交响曲》作于1805至1808年。贝多芬在1808年11月写给他的朋友韦格勒(1765-1848)的信中，就已经说出：“我要卡住命运的咽喉，它决不能把我完全压倒！”“命运敲门的声音”在1798年所作《c小调钢琴奏鸣曲》(作品10之1)第三乐章中就已经出现过，以后又出现于《D大调弦乐四重奏》(作品18之3)第三乐章、《热情奏鸣曲》(作品57号)第一乐章、第三《列奥诺拉》序曲(作品72号)、《降E大调弦乐四重奏》(作品74号)等一系列作品中。可见，通过斗争战胜命运，是贝多芬一贯的创作思想。《命运交响曲》所表现的如火如荼的斗争热情，具有强大的感染力。西班牙女低音歌唱家马丽勃兰第一次听《命运交响曲》时，吓得心惊肉跳，不得不退席而去。拿破仑一个旧日的卫兵，听了第四乐章开头的主题，禁不住跳起来喊道：“这就是皇上！”柏辽兹把《命运交响曲》中惊心动魄的斗争场景，看作是“奥赛罗听信埃古的谗言，误认黛丝德蒙娜与人私通时的可怕的暴怒。”舒曼认为：“尽管你时常听到这部交响曲，但它对你总是有一股不变的威力——正象自然界的现象虽然时时发生，却总教人感到惊恐一样。”1830年五、六月间，门德尔松在魏玛逗留了两星期，和歌德作最后一次会晤，在钢琴上为他演奏了古今著名的作品。歌德听了《命运交响曲》的第一乐章后大为激动，他说：“这是壮丽宏伟、 惊心动魄的，简直要把房子震坍了。如果许多人一起演奏，还不知道会怎么样呢。”1841年3月，恩格斯听了《命运交响曲》的演出。他在写给妹妹的信中赞美这部作品说：“如果你不知道这奇妙的东西，那么你一生就算什么也没有听见。”他说，他在第一乐章里听到了“那种完全的绝望的悲哀，那种忧伤的痛苦”；在第二乐章里听到了“那种爱情的温柔的忧思”；而第三、第四乐章里“用小号表达出来的强劲有力、年轻的、自由的欢乐”，又是那么鼓舞人心。恩格斯用短短的几句话，揭示了《命运交响曲》的精髓。

三、《月光曲》的传说
“一百多年前，德国有个音乐家叫贝多芬，他谱写了许多名曲。其中有一首著名的钢琴曲叫《月光曲》，传说是这样谱成的：有一年秋天，贝多芬去各地旅行演出，来到莱茵河边的一个小镇上。一天夜晚，他在幽静的小路上 散步，听到断断续续的钢琴声从一间茅屋里传出来，弹的正是他的曲子。贝多芬走近茅屋，琴声忽然停了，屋子里有人在交谈。一个姑娘说：‘这首曲子多难弹啊！我只听别人弹过几遍，总是记不住该怎样弹；要是能听一听贝多芬自己是怎么弹的，那有多好啊！’一个男子说：‘是啊，可是音乐会的入场券太贵了，咱们又太穷。’姑娘连忙说：‘哥哥，你别难过，我只不过随便说说罢了。’贝多芬听到这里，就推开门，轻轻地走了进去。茅屋里点着一支蜡烛，在微弱的烛光下，男子正在做皮鞋。窗前有架旧钢琴，前面坐着个十六、七岁的姑娘，脸很清秀，可是眼睛瞎了。皮鞋匠看见进来个陌生人，站起来问：‘先生，您找谁？走错门了吧？’贝多芬说：‘不，我是来弹一首曲子给这位姑娘听的。’姑娘连忙站起来让座。贝多芬坐在钢琴前弹起盲姑娘刚刚才弹的那首曲子来。盲姑娘听得入了神，一曲完了，她激动地说：‘弹得多纯熟啊！感情多深哪！您，您就是贝多芬先生吧？’贝多芬没有回答，他问盲姑娘：‘您爱听吗？我再给您弹一首吧。’一阵风把蜡烛吹灭了。月光照进窗子来，茅屋里的一切好象披上了银纱。贝多芬望了望站在他身旁的穷兄妹俩，借着清幽的月光，按起琴键来。皮鞋匠静静地听着，他好象面对着大海，月亮正从水天相接处升起，微波粼粼的海面上，一时间洒遍了银光。月亮越升越高，穿过一缕一缕轻纱似的微云。 忽然，海面上刮起了风，卷起了巨浪，被月光照得雪亮的浪花，一个连一个朝着岸边涌过来……皮鞋匠看看他妹妹，月光正照在她那宁静的脸上，照着她睁得大大的眼睛。她仿佛也看到了，看到了她从来没有看到的景象，在月光照耀下的波涛汹涌的大海。兄妹俩被美妙的琴声陶醉了。等他们醒来时，贝多芬早已离开了茅屋。他飞奔回客店，花了一夜工夫，把刚才即兴弹的‘月光曲’记录了下来。”这是我国小学语文课本第七册里的一篇文章，讲的是贝多芬为盲姑娘演奏《月光曲》的故事。这的确是一个美丽的传说。贝多芬的这个曲子(作品27之2—《#c小调钢琴奏鸣曲》)描写的是海上月光的说法，源出于德国音乐批评家雷尔施塔布(1799-1860)。俄国钢琴家安东·鲁宾斯坦(1829—1894)非常反对用“月光”来解释这个曲子。他说：“月光在音乐描写里应该是暝想、沉思、安静的，总之，是柔和光明的情绪。《#c小调奏鸣曲》第一乐章从第一个音符到最后一个音符，完全是悲剧性的(用小调来暗示)，是布满云彩的天空，是阴郁的情绪。末乐章是狂暴的、热情的，表现的正是和温柔的明月完全相反的东西。只有短短的第二乐章可以说是一瞬间的月光。”在德国，也有人称此曲为“园亭”奏鸣曲。园亭是建筑在树荫下的凉亭，显然这标题对于这首奏鸣曲也同样是不确切的。看来，这首曲子所表现的决不是一幅明净的风景画，而是一种内在的阴郁情绪。《贝多芬传》的作者泰厄(1817-1897)说第一乐章是“少女为生病的父亲祈祷”，这无论如何要比“月光”和“园亭”恰当一些。贝多芬的这首曲子作于1801年，当时他正和朱丽法塔·贵恰尔第(1784-1856)相爱，这个曲子是献给她的。这一年的十一月十六日贝多芬写给韦格勒的信中提到她时还说：“她爱我，我也爱她。”但到1802年初，她已另外爱上了罗伯尔·哈伦堡伯爵，并于1803年和他结了婚。罗曼·罗兰把此曲和贝多芬的失恋联系起来，说“幻想维持得不久，奏鸣曲里的痛苦和悲愤已经多于爱情了。”罗兰把第一乐章解释为忧郁、哀诉和痛哭。俄国音乐学家奥立比舍夫(1794-1858)认为第一乐章是失恋的“沉痛的悲哀”，好比“垂灭之火”。但1801年正是贝多芬和贵恰尔第热恋的时候，说这个作品是写失恋的痛苦，也许和事实不符。对于这个作品的解释，也许俄国艺术批评家斯塔索夫(1824-1906)的见解是比较合理的。他在回忆了听李斯特在彼得堡的演奏后，认为这首奏鸣曲 是一出完整的悲剧，第一乐章是暝想的柔情和有时充满阴暗预感的精神状态。他在听安东·鲁宾斯坦的演奏时也有类似的印象：“……从远处、远处，好象从望不见的灵魂深处忽然升起静穆的声音。有一些声音是忧郁的，充满了无限的愁思；另一些是沉思的，纷至沓来的回忆，阴暗的预兆……”《#c小调奏鸣曲》因“月光”的标题和传说而特别出名。贝多芬有一次说过：“人们常常谈论《#c小调奏鸣曲》，但我曾写过比这更好的东西，象《#F大调奏鸣曲》(作品78号)就是一例。”可见贝多芬自己对《月光曲》是并不十分满意的。
贝多芬相关资料一七八七年四月，一位年青人前往维也纳拜见当时的大音乐家莫札特。此人其貌不扬，短小精明，在莫札特面前大展钢琴身手，连被誉称神童的莫札特亦为之惊叹。立即向在场的朋友说：“此年青人必为乐坛掀起狂澜。” 莫札特的预言不到十年立即应验，此人正是鼎鼎大名的贝多芬。

贝多芬一七七零年十二月十六日出生於德国科隆附近莱茵河畔的波昂。他的父亲约翰庸庸碌碌，嗜酒如命，童年时代贝多芬毫无幸福可言。

～惨遭鞭笞的童年声声疼～

他的父亲希望儿子成为第二个神童，以便*他享受荣华富贵，所以强迫他学习钢琴，稍有不遂，即遭毒打。就在这样凄惨痛苦命运下，贝多芬渡过了童年。 贝多芬天赋过人，再加上后天刻苦的磨练，程度愈来愈高，连他的老师都自叹弗如。

十二岁时贝多芬受聘为宫廷古钢琴与风琴乐师，也负起了养家责任。在宫廷中贝多芬遂渐受到重视，但他心怀远大，在一七八七年远赴维也纳投拜莫札特。但很不幸，他的母亲在波昂病危，回家不久，母亲就去世了。这对贝多芬打击甚大，他又在波昂待了五年。

为了实现理想，贝多芬於一七九二年再度前往维也纳。此次华德斯坦伯爵援助甚多，为了报答，贝多芬日后写出了钢琴奏鸣曲作品五十三献给了华德斯坦。

到了维也纳，贝多芬受教於海顿门下一年，又向申克、阿布雷兹贝格与萨里耶里等名师求教，尤其是后者，他学了有十年之久。

～挣脱束缚 追求自由～

一七九五年贝多芬在维也纳举行了第一次音乐会，当时他亲自弹奏自己写作的「第二号钢琴协奏曲」维也纳市民为之折服，他也因此名闻遐迩。

他的「第一号交响曲」是后来才作的，同年他又出版了三首钢琴三重奏贝多芬也奠定演奏者与作曲家的双重声誉。

此后五年，他又写作了第一号到第十一号钢琴奏鸣曲。以及第一号到第三号钢琴协奏曲。一七九九年贝多芬又完成了「第一号交响曲」。他凭著神奇的想像力，接连写作了震惊乐坛的名作。在这些作品中，弥漫著生命的欢愉与热情，而且表现了空前的自由意境，突破了连莫札特都束缚的严格形式。

贝多芬在一帆风顺之际，声名如日中天，然而不幸的命运降临到他身上——他有了耳聋的疾病。

～听不见声音的巨人～

这是很残酷的打击，为了怕人发觉他耳聋，贝多芬逐渐离群索居，自己变得愈来愈孤僻。

而在此时，他与一名十七岁少女朱丽叶塔.古奇阿帝相恋。著名的十四号钢琴奏鸣曲「月光」就是他们相恋的作品。

一八零二年贝多芬迁到离维也纳车程一小时的海利金宁静村庄作曲，他在那里完成了第二号交响曲。但耳疾恶化使他痛苦万分，因而他写下了海利根施塔特遗书，陈述悲惨遭遇与不幸。后来贝多芬又因康德的哲学观重建信心。「要忘掉自己的不幸，最好的方法就是埋头苦干」。此时他回到维也纳，乐思泉涌，一八零三年写出了雷霆万钧的第三号「英雄」交响曲。此曲原想献给拿破仑，但因拿破仑加冕称帝，贝多芬愤而涂掉拿破仑的名字，改称为「英雄交响曲」。

同年，贝多芬又写作了极出色的第九号小提琴奏鸣曲「克罗采」。一八零四年完成第二十一号钢琴奏鸣曲「华德斯坦」。隔年又接著完成第二十三号钢琴奏鸣曲「热情」与独一无二的歌剧「费黛里欧」。在这一连串作品中他表现出真正的功力，如「华德斯坦」与「热情」使世人如痴如醉。一八零六年他又作出「第四号钢琴协奏曲」和「D大调小提琴协奏曲」。

一八零八年贝多芬同时发表了第五号交响曲「命运」与第六号交响曲「田园」。一八零九年完成第五钢琴协奏曲「皇帝」。这些全是永垂不朽的杰作。

～藏著热情的火山～

贝多芬的内心蕴藏著无穷的感情，细腻、超凡、和谐、十全十美。贝多芬有意将自己的意念放在曲子中。如第五号「命运」，一开始的主题动机就是命运之神用力敲门，第六号「田园」更可察觉出贝多芬有意对大自然的描绘第一乐章他即标明了「令人心旷神怡的乡间」字眼。

一八零九年拿破仑攻占维也纳，王子公孙纷纷逃难，贝多芬经济陷入困境。在战火弥漫的日子里，他依然留在维也纳，苦心创作，他的「皇帝」协奏曲就是在隆隆炮声中写出的。

由於「命运」与「田园」首次演奏并未获得维也纳人民的青睐，贝多芬有心离去前往德国，但因鲁道夫公爵、罗伯高维兹王子与金斯基公爵三人极力挽留，他才留下。日后，贝多芬写作「大公钢琴三重奏」题献给这些恩人。

～乐声飞入平常百姓家～

自法国革命后欧洲空气为之一新，个人自由与人权因而确定。贝多芬亦把音乐平民化了，将音乐从贵族中带入全民化。贝多芬的成就，功垂百世。

拿破仑兵败，维也纳又恢复欢乐的气氛。一八一二年贝多芬在伤兵救济音乐会上首演「第七号交响曲」与「第八号交响曲」，非常轰动。他又博得维也纳人民的尊敬。

贝多芬从一八零四年到一八一四年之间，肉体蒙受失聪的惨境，但在这十一年的岁月里，他的创作丰富，历史价值史无前例。他写出了人类音乐宝藏中光芒万丈的珍品。

他的「第七号交响曲」没有标题，华格纳认为这首曲子是舞蹈的象徵，尤其是热情奔放的终乐章。「第八号交响曲」是他九大交响曲中最明朗、最爽快的曲子，以达观而超然的态度浏览人生。

贝多芬的第三段人生起自一八一五年。那时他已届壮年对人生有更透彻的领悟，此后写作的音乐，除了震古铄今的第九号交响曲「合唱」和「庄严弥撒曲」外，全是钢琴奏鸣曲和弦乐四重奏曲，这全是有内在的与深邃的精神意境。

～乐圣不擅人间事～

由於弟弟卡尔一八一四年去世，贝多芬又负起了监护养育侄儿的责任。但领养过程与事后侄儿给他带来的问题让他吃了不少苦头。总之他无法将爱心转移到他侄儿身上。贝多芬对与人如何相处的道理完全崩溃。

乐圣贝多芬变得更加消沈，同时身体状况更加严重，经济十分拮据。那时他正全力创作两大作品－－「庄严弥撒曲」和「第九交响曲」。尤其前曲是为了鲁道夫被任命为大主教登基典礼时演奏的使用。正因责任重大，他花了约五年的时光，在一八二三年完成。隔年五月七日他的「第九号交响曲」首演，将他的声望又推到新顶点。

「第九号交响曲」的「快乐颂」合唱是采自席勒的诗「快乐颂」。他早年就有此念头，经过了三十二年终於达成心愿。「第九号交响曲」的成功为他带来了一生最大的荣耀与欢欣。

「第九号交响曲」预演时贝多芬亲自指挥，但因耳聋无法进行，秩序大乱，因此正式公演时由乌姆劳夫指挥。 贝多芬仍在舞台上背对听众指导。当全曲演奏甫毕，听众深受感动，高声欢呼，掌声如雷，但贝多芬毫无知觉，还是经过演出者的提醒，他才看到了感人的场面，含泪答礼。

这是贝多芬最后一次公开露面，他在不知不觉下患了肝病，时日就度过在病情益渐严重的日子里。他那即将远离尘世的心灵，反而趋於宁静。这时贝多芬好像在稀薄，纯净的高空中，俯视自己即将抛开的世界。写作了五首最后的弦乐四重奏曲。这些室内乐是他最后的作品，也是贝多芬留给世人的遗嘱。对万世证明精神可以克服痛苦，甚至可以克服死亡。

～最后的春雷响起了～

贝多芬的余生已经不多，单是一八二六年就动了四次手术，但病情未见好转。一八二七年三月二十六日下午，维也纳突然下了一场大风雪，伴著震耳欲聋的春雷，此时贝多芬握紧右拳，咽下了最后一口气。

根据古老的记录，贝多芬的葬礼在三月二十九日举行，约有两万名以上的维也纳市民参加护送到举行追悼弥撒的雅瑟尔教堂......

⑦ Vitas【歌剧】里唱的是什么音

是“咽音”
1、 什么是“咽音”？
“咽音”是将喉器原来共鸣体扩大，在咽部形成特殊能调节的发音管，声带在‘贝诺利氏’气息下缩短变薄产生金属般（美妙、刚强、脆亮）的音响。
2、“咽音”与“喉音”有什么不同？
“咽音”与“喉音”是两种大不相同的声音。一般天然的发音法是声带与喉腔配合来发出声音，声带的张力和喉腔共鸣量的大小决定音的高低。发“咽音”的情况则不同。在发“咽音”的过程中，咽部始终被利用为“基音共鸣腔”的一部分，为了获得较大的共鸣效果，它被调节成为一个发音管与喉腔通连。（请参考3、）
3、发“咽音”时其“发音管”形成的情况怎样？
在发“咽音”的过程中，咽部始终被利用为‘基音共鸣腔’的一部分，为了获得较大的共鸣效果，它被调节成为一个发音管与喉腔通连，这发音管的形成主要靠训练咽部的肌肉用力，并能把舌后部和会厌调节成为半管状形贴靠在坚固的咽后壁上，在发高音过程中，这‘发音管’与喉腔串通成为一个管状‘基音共鸣腔’来对声带所发的音起‘基音共鸣’（就是说这‘发音管’和喉腔加在一起，其容量的大小，决定音的高、低）这样一来不但发音能力提高了音质也改善了。发“咽音”的性能象一只长短、大小皆能伸缩的双簧管乐器，发喉音的性能象一个稍微大、小伸缩的‘哨子’。
4、发“咽音”的机能是怎样？
发“咽音”的机能是象吹响一支细小的双簧管乐器，簧是声带，管是会厌在喉头上与两侧韧带和后面的咽后壁形成‘发音管’，作发“咽音”的种种练习，事实上即是一方面训练这个小双簧管。管能粗、细伸缩自如，另一方面训练这两片簧能自动控制其参加振动部分的大小。
5、“咽音”在咽部形成“发音管”而发出声音的理论科学根据是什么？
歌声带“咽音”的质色是发声器上端会厌周围组织形成共鸣造成的。实验证明这共鸣室是近似管状，它的作用是把声音发出频率2800的高泛音加以扩大，或测试发音器官歌唱时的动态，发现唱高音时其喉头上面会厌周围咽部必须全面收缩形成细小的“发音管”。
6、什么是“贝诺利氏作用”？
如把一个死人的喉器拿下来接在一个打气筒上，用强烈的吹气是完全可能发出声音的，这个发现称为‘贝诺利氏作用’。
7、用发“咽音”练习有什么效应？
（1）能大大增强歌唱家发高音能力。
（2）能改进歌声的音质，使始终带有金属般的刚质的音色作为歌声骨干。
（3）在歌唱时不产生‘换气’现象。
（4）能大大增强歌唱的持久力。
（5）对声带已经有病变的人，只要还有能力歌唱，它可以掩盖声带缺点使声带只须用一点点力量就能发出响亮声音，从而使声带不因多发响音和高音而受到损害。
（6）能治疗声音发抖毛病。
8、对失音病例应用发“咽音”法练习有哪些功效？
有治疗功效，特别有效的是对那长期应用不正确的发音法来歌唱和长期用天然发音法喊叫过多致声带产生病变的人，（所谓职业性的失音病例）。这类病变往往是声带小结，两声带靠拢无力，发音有明显漏气现象或是声带充血、水肿，边缘有突起等。
9、是不是任何人应用较强的呼气来发音歌唱，都可以利用“贝诺利氏作用”，来使歌唱的发音较不费力？
是的。可是，要保持呼气通过声门时能始终发挥其最大的‘贝诺利氏作用’，则必须把气息训练到能始终稳劲而强弱能如意控制，不然就不可能造成歌唱的走动的连贯性。
10、运用“咽音”歌唱好处在哪里？
（1）由于能力不断增强，能延长歌唱寿命。
（2）集中穿透力强，位置高。
（3）富有弹性声音，伸缩性强。
（4）音色能够多变而富于表现。
（5）因为始终唱在气流上而能持久不累。
（6）能扩大音域，增强音量。
（7）能调出人的真正本质声音。
（8）能上下贯通、运用自如而无换音现象。
11、什么是“气泡音”作用？
（1）能取得稳劲气息。
（2）与声带平衡，一滴气一个泡。
（3）最低级‘贝诺利氏作用’。
12、为什么用发“咽音”方法结合唱歌，喉肌最不易疲劳？
从音响学上说，把咽部调节为“发音管”，使音量明显加大，减少了喉器发音负担。从发音机能上说，把咽部调节为“发音管”，能协助呼吸器官控制歌唱气息，使歌唱发音始终“唱在气流上”的基础上，这种“唱在气流上”的发音方法，是喉器肌肉最省力的方法。
13、什么叫“唱在气流上”？
也可以说是一种以气息带头来推动声带发音的发音法。
14、为什么“唱在气流上”喉部肌肉较不费力，而一般说法的发音及一般用天然说话发音方法来歌唱，喉肌较费力而发音较不能持久？
人在大笑时候，声带靠拢发音是完全不费力的，因为根据气动力原理，当笑的强烈气流通过喉腔，自然即对喉腔组织产生一种吸的作用，这样就把两声带吸往中央靠拢来发出声音。在这情况下，喉肌是一点也不费力参加的。 “唱在气流上”所以较不费力，因它是建立在贝诺利氏作用的基础上来发展的一套歌唱发音技巧。
15、为什么练习发“咽音”方法能解决“真声”与“假声”结合问题？
因应用发“咽音”方法唱到中高音时，“咽音”的发音机能。发音原理和发音效果都与“真声”有基本共同点，靠张紧声带发音，音质较结实。
从利用声带整体振动来发“真声”改变为利用声带边缘一小部分振动来发出“咽音”，“咽音”的缩短声带和促使声带边缘变薄的方法一旦学会，即发“咽音”方法在发中高音部分很易结合“真声”。
16、什么是“三个基础”和“焦点”发音？
（1）‘三个基础’
刚是柔的基础。真声是假声的基础。能力是技巧的基础。
形成‘基音管’有刚，在‘基音管’基础上加上‘泛音管’，不同比例的‘泛音管’就有柔。 刚是基音为核心，柔是色彩加共鸣，伸缩、连贯多‘焦点’，‘远近’变换靠感情。
（2）多‘焦点’发音：
低音：胸腔共鸣。中音：口咽共鸣。高音：‘鼻’音腔共鸣。
17、习惯用“面罩唱法”歌唱的人，学会发“咽音”方法发音能力会得到提高之外，还有什么好处？有没有坏处？学会应用发“咽音”方法歌唱之后，其原来的风格会不会被破坏？
主要有两点好处：
（1）发高音的能力不但显著增强，高音的音质、音色还会起明显变化，声音听来刚强有力，并具有更明显的所谓“头腔共鸣”。
（2）歌声的音质音色刚柔亮暗更具变化。
坏处是没有的。学会应用发“咽音”方法歌唱之后，可以不放弃原来的唱法，只是到需要唱比较刚锐结实而又响亮声音时，或是要唱到超过一般高度时，可以应用发“咽音”方法来解决能力上的困难。风格是靠自己掌握的。任何人学发“咽音”方法是只有好处没有坏处的。
18、用发“咽音”方法练声，既然对发展发音能力有效，为什么没有普遍流行？
（1）那些不需要把歌唱能力提高而嗓子一直很好的民歌手是不大会注意它的。
（2）那些有天然好嗓子，又只学唱一般音域不宽的艺术歌曲的歌手，没有发音能力上的问题，也是不大会去注意它的。
（3）现在差不多每个国家都有其本国的歌剧。唱歌剧一般需要有较强的发音能力，很想有一套较有效的练声法。由于经验不多，一时自已创造不了，也不容易找到学“咽音”的门路来学。
（4）曾有人这样说过，“意大利声乐传统有一套很特别的练声法，可训练歌唱家有很强的唱高音能力，可是我们学不到，他们不教我们这些外国人。”在那样社会，对一个声乐教师来说，这一练声法是一种秘方，是个人财富，把方法保密起来，不再搞教学工作。这练声渐失传，就是这样造成的。
19、以目前形势论，“咽音”练声法是在渐被淘汰，还是在渐走上光明道路？
“咽音”练声法在培养唱高音能力方面确实有独到之处，它代表一种很有价值的发音机能。不仅是男高音歌唱家的珍宝，它对女声各声部也特别有用，可惜这种机能的重要性现在还不是普遍被人赏识。
“咽音”的前途是光明的。
20、“咽音”练习法有何重要意义？
（1）它是要达到‘美声唱法’发音技巧最高要求所不可缺少的一个重要手段。
（2）它对任何其它唱法或多或少有嗓音保健效用。
（3）对任何须用嗓音来进行艺术活动或日常工作的人（歌唱家、演员、广播员、教员等）来说，它也是一剂嗓音保健与嗓音治疗的‘特效药’。
（4）保护儿童学生安全通过“变声”关。
“咽音”练声法能使之为人类的科学文化事业发挥更广泛的作用。
发“咽音”成败在于培养‘基音管’状态形成，形成后吹响它。‘音出脑后，气出丹田’，‘气是声音之本’，‘咽音’关键在‘气息’。‘气流丹田，头顶虚空，全凭腹力，双肩轻松’。
要求用‘打呵欠’、‘微笑’来‘打开’咽部。（是‘打开’‘喉颈’以上的咽部）以及用结实、尖锐听来象鼻音来作练习。
“咽音”练声法特有：“跨唱法”“跨民族”“跨国际”“跨部门”的效用（在世界上任何地区戏剧界、广播事业界、教育界、医疗界皆能发挥其作用）。