弱声唱法教学视频

『壹』 “高音弱唱”为何是邓丽君最厉害的技术

这是一代歌后邓丽君最具有特色的一个唱法了，是她开创了这一影响，就是确立了当时女歌手的演唱风格，即所谓的“气声唱法”。

著名音乐人金兆钧对邓丽君的评价是这样的：“邓丽君确立的音乐形式还是很传统的，是大部分中国人都能接受的。中国早期流行音乐的创作，对整整一代的创作者起了重要作用。另外我个人觉得，她能产生那么大的影响，是因为她是30 年代以来一直到60 年代音乐的集大成者，她挑的都是历史上被证明是最好听的歌曲，她的唱法也是30 年代以来唱法的集大成者。”

『贰』 求一个学唱歌的入门视频教程

关于学唱歌声乐K歌视频教程零基础入门速成麦霸流行唱法自学唱歌技巧这些，我可以分享给你

『叁』 唱歌低音怎么训练

用弱声练习的方法，比较容易找到放松的感觉。在做这个练习时，最好用开口内哼鸣的状态。就容是口腔张开不发音，用鼻子发音。

没有接受过训练的人，牙关部会很紧，每天需要做张嘴练习。用手按住下巴，练习向上伸张，不要用力过猛，口腔不要能过横，也不要过长。露出上齿，微露下齿为最好。这样的口腔状态，从发声学上讲是正确的。

拓展资料

歌唱时的发声和说话时的发声是不完全一样的，说话式的唱歌或放大了的说话，都是不对的，

这会没有色彩，不是音乐化了的发声。所以说说话的发声是不能适应歌唱的的需要的，我们必须讲究发声方法，帮助学唱歌的人把普通的声带磨炼成能发出优美、动听、有持久力的合乎科学方法的、有艺术感染力的声音来。

『肆』 什么是弱声练习法

在一些新来的学生中，歌唱时会盲目追求音量。其实学生听起来大的声音，不一定是正确的。如果声音在口腔内部是散的，位置就会比较低，缺少共鸣。这时，声音在通过麦克风时，会发出尖锐不够干净的音色。尤其在进棚录音时，歌手会感到很难驾驭自己的声音。那么，怎么让学生利用科学的发声方法建立一个通畅有序的歌唱状态呢？

首先，用弱声练习的方法，比较容易找到放松的感觉。任何一种唱法，只有松弛才会产生美感。在做这个练习时，最好用开口哼鸣的状态。就是口腔张开不发音，用鼻子发音。没有接受过训练的学生，牙关部会很紧，每天需要做张嘴练习。用手按住下巴，练习向上伸张，不要用力过猛，伤及口腔关节，口腔不要能过横，也不要过长。露出上齿，微露下齿为最好。这样的口腔状态，从发声学上讲是正确的。需要注意的一点是，先做到外面打开是其一，关键是体会由内向外张开是最重要的。不要形成喇叭状态，外面大，里面小，那样就很难获得声音的通畅了。

在这个练习过程中，还要用另外一个思维去考虑倾听声音的位置。声音的位置是随着音高不断发生变化。由前向后移动。移动的速度要由老师的耳朵来判断。在移动至高音区时，应适度的提起软腭，因为软腭的提起是唯一能产生高音的通道。从嗓音结构上讲，不可能会从牙齿后面产生高音，只有在软腭提起时，带动后咽壁的拉力、口腔后部形成拱门状态，才会具备鼻头腔共鸣。高音才会是有是松弛的。同时产生振撼力，当然声音方向不能是向上的，那就会感觉象美声唱法了。

通俗唱法与美声民族唱法有密不可分的又完全不同的关系。重要在于教师如何借鉴欧美唱法的优点，结合民族唱法的特点去训练，可在短期内解决学生声音没高音的状况。

一个好的通俗唱法老师，应该在一年之内解决形学生的全部声音通畅问题，而不应该五、六年之后还不能让你的学生唱到三至四个八度。

有的学生会问：“弱音练习会不会声音小了？”“将来放不出来？”其实不是！用很大的声音喊是很难找到放松的感觉。相反，用小的声音就很容易找到。就是说，通俗唱法要建立自己的声线通道。应该是在完全放松的基础上，然后再声音更有效的释放出来。因此，弱音练习只是一种手段，得到通畅有磁性声音才是目的。

『伍』 假声怎么唱视频教学

声音是需要气息支持的，假声每个人都曾经用过，记得在学生时代，你上课时要是想告诉旁边相隔几个人的一个朋友一些不想让老师听到的话，你用到的就是假声的喉型，记住喉咙的感觉让气息平稳一点，知道作到你喜欢的声音，假声就出现了，但是在演唱过程中要记得喉型，尽量在提前1-2拍的时候就把喉型改到假声位置 最重要的是在发出假音时喉咙一定要放松，用气息支撑，如果想要发的浑厚一些的话，腰要用力，追求鼻腔共鸣。目前世界对假音的定义据三个例子（都是权威人士的观点）：1.声带边缘小范围振动，可提高八度左右，如戏剧的“小生”，和中国京剧的四大名旦。2.声带中间被气流吹开一个小缝，但声音的发出不是主要靠声带振动，而是像小号嘴一样的发音原理，俗称“啸音”，常见美声女高音唱法的较高音。 上述两种发音必须有良好的呼吸训练做支撑，否则盲目练习，极有可能损伤嗓子，并且难以恢复。 2.意大利一位声乐权威说：除去说话，其它一切发音都是假音。

唱歌技巧
歌曲的演绎是需要很多方面表现的。
第一当然是声音。这是一个很专业的学问，包括气息、用嗓、口腔共鸣、吐词方式等。以后的文章中，我会把我知道的尽可能的与大家交流。

第二是情感。这需要歌手对词、对旋律的感悟要强，很多朋友演唱时把全部的重点都放在了声音的部分，而忽视情感，这绝不会唱好一首歌。过分注重声音的原因，是因为歌手的实力有限，演唱过程中老想着到哪里要注意气息了、哪里要注意换气了、快到高音的时候要准备了等，这都是无可避免的。所以，如果唱歌要做到“声情并茂”，练功相当重要。当你练声成熟的时候，演唱时的注意力才会到情感上来。有句话说得好，歌不是用嘴唱的，而是用心唱的。如果发声练到气息贯通、炉火纯青的地步，演唱就更随心所欲的注入情感，演绎歌曲的感染力会更强。

第三是感受。这里再次强调，音乐的感受是天生的，你有多少就是多少，后天弥补的音乐感受很少很少。流行歌曲需要流行歌曲的感受，民歌需要民歌的感受，比如你要阎维文唱“一无所有”，我敢保证会笑翻一帮人！歌手的感受不同，演唱歌曲的处理方式也不同，有的处理得很平淡，有的处理得扣人心弦。这些处理都是很微妙的，比如一个小小的换气、一个强调的重音、一个不换气的长拖音或者一个骤然的收尾……这些就只能意会了。

第四是节奏感和音准。你见过一个3岁多的小孩听到一个旋律就能敲打出加花的节奏吗？你见过一个3岁多的小孩现场演唱，爸爸给他手风琴伴奏，随时改变音调，他进唱的音调都是准确的吗？你见过一个8岁的小孩在没听到任何声音的情况下，要他随时哼出“降E”、“升C”等任何音调的“1”的发音，哼完后在键盘上按下核对完全准确的吗？这就是天分，演唱歌曲需要这样的基础，虽然不要他们那样出众,但一定不能弱。

第五是素质。这就是业余歌手和专业歌手的区别。其实光在声音、情感、感受、节奏、音准这些方面比较，业余歌手有很多不比专业歌手差。差距就在素质。你知道自己唱歌时的形体和表情吗？你可能有个模糊的形象，就是你投入演唱时自己想象自己的模样，而这个形象很可能是你唱的这首歌的原唱的形象。但这些都是你的想象，自己想象的形象几乎是完美的。你知道大家看到是什么吗？你用摄像机拍摄过自己的一次正式演唱吗？其实当你上台的第一个眼神或者第一句话，就能知道你是业余还是专业。这里说的素质还包括对乐理的了解、乐器的了解、对音乐史以及对音乐常识的了解等，当然也有很多专业歌手也不全面，但我个人认为，如果要做专业歌手，就应该贯彻这些，要对得起“专业”这个词。

理解歌词

在学一首新歌之前，有几次你是先把词从头到尾在心里读一遍的？又有几次揣摩过撰词者的心思和他表达的意境？一首歌曲，无论是先有词还是先有曲，双方作者都是认真揣摩对方（词作者或曲作者）要表达的意境和思想，如果到了你这里，你居然完全不理会他们的用心良苦，就这么凭着自己的感觉唱，我觉得不妥。有些个性歌手喜欢按照自己的理解这样表达自我，这种方式不是不好（而且我也喜欢这样），但我会先把作者的意图先搞明白再发挥。再说不是每首歌曲都适合你任意发挥的，有些词曲你找不到更合适的表达，比如国歌。

在你深刻理解歌曲以后，你的情感处理方面一定会好很多，如果你的感悟能力强，你会情不自禁的把某个音唱重，某一个音轻轻带过，一个激情的长音会拖得很饱满……

话和唱歌，除了旋律、节奏、气息，还有其它区别吗？有，那就是吐词的方式。请你随意的用你说话的方式读出“让我一次爱个够”，然后投入的把它唱出来……会发现唱的时候嘴型是向两边打开的，而且要夸张一些。如果你觉得差不多，就是你的吐词有问题。所以唱歌要比说话嘴型要夸张，这样吐词才会更清晰、气息更通畅、更宜于表达情感。

演唱国语歌，还是标准的好。比如“Z、C、S”和“an、ang”和“L、N”的区别是很容易搞混的。港台歌星有时会把个别字故意唱得不卷舌或卷舌，要不就是自己的舌头打不过来、要不就是他们觉得那样不好听，或者他们根本就不知道这个发音。当我们翻唱他们的这些歌曲时，我没有明确的主张，为了模仿，不纠正也行。但如果是要唱自己的风格或比赛，那就要改正了。

关于粤语歌，劝你们还是学好再唱，要不很容易搞笑的。就像我以前唱粤语歌一样，自认为标准，现在才知道有差距。粤语中也有类似与国语中的“Z、C、S”和“an、ang”的微妙区别，不认真学是学不好的。

气息

说道这个话题，就有些茫然，因为这是最不好用言语表达的东西。我在唱歌之前，练美声两年，给我的感悟很深，气息基础对我的帮助很大。一般没有学过声乐的人发声很平，就用平常说话的位置（嗓子）发音，我们叫它声音发“白”，没有色彩、没有过滤。以下我就表述一下美声练声的方法。

声音应该以小腹为根源，想象声音透过后脊梁，到脑后，到口腔后根，整个声音应是竖立的，靠后的。请找一找这样的感觉：你大口咬一口苹果，露出上牙齿，在一口咬下去的同时，发出“嗯”的声音，感觉声音在口腔后部和鼻腔上部的位置，这就是美声发声的一个共鸣点。接下来把气息下沉，小腹膨胀，稍在小腹用力一顶，在刚才的位置发声，男声喉结压下，女声多注重声音在脑后靠上的位置，你会发现声音比以前要大多了。经常靠墙练习有助于发声，因为靠墙可以接触你的后脊梁，让你更容易找到感觉，并且胸腔的共鸣能和墙产生共振，让你更容易找到胸腔共鸣的感觉。先从“米～妈”的练习开始，逐步升高，有助于练习高音气息；再从高往低练习，这样反复，总有一天你会找到感觉的。美声讲究“通透”，经常想象自己的声音是竖立的，而不是扁平的；另外还讲究的是“共鸣”，声音通过胸腔或胸腔以上的共鸣后，会很圆润、饱满。要体会共鸣，你可以这样做：闭上嘴巴，发出“嗯”的音，稍带点深情的感觉，“嗯”的长一点，会感觉头和胸前在震动，如果气息好，这种共鸣会给你的声音添色不少。仔细听听一些高大的美国人讲话，就会知道什么叫胸腔共鸣了（外国人的胸腔结构更容易产生共鸣）。

另外我还要提到的是肺活量，歌手演唱需要较大的肺活量，比如一些很长、不换气的某句旋律，可不要唱完以后面红耳赤、只喘粗气。肺活量要经常锻炼身体才能保持。还有就是掌握一定的技巧可以弥补一些肺活量不足的现象。首先就要练气息，好的发声方法它能很好的控制声音通过嗓门的流量，比如唱到“……不怕你背叛我……”这一句时，气息不稳的歌手可能一下就把“怕”字的音以爆破的方式唱出来，一下就把本来肺活量不足的气放跑了，如果后面有不换气的长句不把他憋死才怪。而气息功底好的歌手能控制这些爆音的流量，演唱时话筒也不会出现一些扑声。所以我建议大家练声的时候嘴前放一盏蜡烛，尽量练声时保持蜡烛不摇晃吧！这样你的气就会保持在你的体内长一些时间。想想你是一直往外呼气坚持得久还是憋住不出气保持得久呢？当然这还需要歌手要放松，不要紧张，一紧张，心脏跳动加快，你的气息就更稳不住了

这里我只能讲这么多，这些是要靠感悟的。不过我要提醒的是，练声是演唱流行歌曲基础，千万不要用练声的方法直白的演绎流行歌，那样就过于做作，就会像阎维文唱“一无所有”。

关于流行歌曲的用嗓，我的观点是只要符合歌曲意境，要喊要破也未尝不可，但这些都是美声中绝对禁止的，所以我们要取长补短，因为我们不是为了唱美声而练美声，我们是为了唱好通俗才练美声，就像武术要练马步一样，你见过打架的时候蹲着马步打的吗？

有朋友说这样的表述很难理解，要我说说流行歌手里谁的气息很通透，就照着感觉去学更容易领悟，这也是一个有效的方法。个人认为，女歌手你们就多听一下“张惠妹”的吧，她可是天生通透的气息；男歌手就多揣摩一下“满文军”的吧，他可是真正靠气息在唱歌的，另外，张学友的气息很好，但对于教学，满文军更适合

高音

这是朋友们最喜欢问的一个问题，用他们的话，因为高音“够拽”，呵呵！再次补充一下，好的演唱要综合很多方面，不能说高音越高就是唱得越好。确实，很好的高音能给歌曲的高潮部分增添渲染力，但奉劝朋友们不要只知道高音的价值而忽略中低音，其实饱满的中低音也很有感染力

唱高音的时候，气息一定是以小腹、丹田为根基的，京腔讲究“丹田气”也是指的这种发声位置。

找找感觉1：如果你是一个女孩，鞋子上突然有一只老鼠，你会怎样？估计会“啊～”的一声长鸣，并且还有“假声”的发声位置。等你平静之后，你在“啊～”一下看，大多数再也“啊”不上去了。为何？因为你收到惊吓的的那一刻，你的小腹在紧张，（想想被惊吓的感觉，是不是全身肌肉绷紧？）正因为有了这样的根基，加上一股强大的气流（可以理解成唱歌的气息），直冲嗓子眼，声音不高才怪。所以，你可以把飙高音的感觉理解成“紧张”、“振作”，记住，一切以小腹为根基，要唱高音不是抬起头往上扯的，是感觉重心向下的一种反弹力。

找找感觉2：见过橡皮水管吗？要水管里的水飙向更远怎么办？掐紧水管前端，缝隙一小，压力增大，水就冲得更远。其实高音不一定要音量很大，有些歌手演唱高音时唱出很大的声音，我们说那是用力气和肺活量在唱，而不是在用气息和技巧在唱。想象水龙头理论，应该可以悟出些道理。

找找感觉3：地上有一块很大的石头，把它搬起来吧。你一弯腰，嘴里数数：“一、二、三、走……”，我想这个“走”字你一定用了气息。我不多说了，感觉一下吧，身边有些什么重的……呵呵！这只是一些我创立的让你感觉气息的方法，不正规，但很有效。

还要告诉大家一点，表现高音的能力与你本身嗓子条件有关，如果嗓子天生高亢是很大的优势，比如“孙楠”就是典型的高嗓子，高音演绎不会那么费力。嗓音条件不好的歌手就要靠大量的气息和方法了，但不管是嗓音条件好或不好，声音都是通过气息唱出来的，就像香烟要通过过滤嘴一样，声音过滤一下会更美。

另外我还告诉大家一种心理方法，高音时想象你是在面对广阔的大海高歌，望不到边的海天一色，这样的风光不值得你大声呐喊吗？

中低音

中低音一般要饱满、深情为好。但也像高音一样，很多人欠缺中低音的共鸣。低音是要靠胸腔共鸣和宽大的嗓音结构才能体现的，先天性比较强。以我的经验，低音潜不下去的嗓音是很难练低下去很多，能下去几个音阶不错了。如果一定要录制低音丰富的歌，早上起来不刷牙、不洗脸直接录，声音会下去很多。所以，中低音欠缺的人尽量避免这样的歌，扬长避短，同样中低音丰富的人一定要好好发挥它的潜质，中低音唱好是很迷人的哦！

唱低音要胸前和嗓子放松，用叹气的方式可以加强一些共鸣，实在很低的地方可以加些气息产生口腔共鸣，会感觉声音浑厚一些。但不管怎样，嗓音天生浑厚的人的发挥余地要多得多。

唱中音要多加以润色，包括吐词换气都具有美感，当然这又与感受唱功有关，中低音多听听“蔡琴”的吧。

整体与风格

很多歌手只注意句与句的细节，把演唱的细节单位放在“句”的上面，而不是在整首歌上。

把整首歌画一条起伏的线条吧，你会知道哪里该低调、哪里该高亢了。眼光放高一点，就像足球场上的位置感一样，盯着局部怎么打出长传进攻的有效配合呢？

除非有了一定的实力，否则别谈风格。歌手前期我赞成模仿开始，但不要单一，多唱各种风格歌手的歌，耳濡目染的就掌握了一些共鸣、唱腔以及气息的初步体验，这是好事，到了成熟以后，加上自己的练声和感悟，再挖掘自己的风格是水到渠成的事。

演唱要投入，但投入是要有一个度的，不是要你“使劲”投入，过分伤感或喜悦，在理解词意的基础上，有分寸的投入即可。比如有些类似的词：“……你怎么舍得我难过……”，我就见过唱得痛苦至极的人，那样就没有感染力了，反而觉得好笑。但我也见过一个真正失恋的朋友在卡拉ok唱这首歌，演唱的时候面无表情、唱得很平静，嗓音沧桑，唱腔演绎出来的那种无奈和孤独感染了现场的每一个人。我觉得这就是刚刚好的分寸，不需要抱头痛哭。但又有几个人随时能演绎这么到位的呢？这就要靠歌手的音乐感受了。

再给大家举个例子：有些朋友在模仿歌星时，不自觉的夸大了明星的特点，比如模仿张学友时，会过分压着嗓子做出那种怪怪的厚实的声音（那时张学友早期的一个特点，现在好像不多见了）；在模仿张国荣时，会夸大他的那种大舌头似的靠后的共鸣；模仿王菲时更是那种让人觉得好笑的舌头打结的怪音。其实仔细听听原唱，并没有那么夸张。我就听过一个声音很像张学友的朋友唱歌，每次唱学友的歌的时候都没有把握分寸，后来我劝他多些本色，反而更像原唱了。其实有时候旁观者清，多请教朋友们的意见会很有好处。

另外，情感丰富的人唱歌会比情感平淡的人要演绎得好。与歌曲中的情感产生共鸣，也需要歌手的生活阅历丰富。经历得越多，感悟得就越透彻。

这可是很多朋友追求的东西，呵呵！认为没有颤音就不够专业、不够拽。殊不知颤音在歌曲里只是一种表达方式而已，没有颤音就不能唱好歌吗？

颤音，实质是用气息演绎歌曲的时候，强大的气流冲击口腔和鼻腔后部所产生的震动，小腹给予气息的压力产生了气流。我倒不赞成流行音乐一定要用这样死板的方式产生颤音，有些歌星通过喉结的抖动（刘德华）和嗓子眼的一紧一松（张信哲）“做”出了颤音。这些都是一些小的技巧或是一种风格，但在很多高潮部分，他们也具有强大气流的颤音。所以，还是那句话，气息是根本。用了气息，自然会有气流的冲击产生颤音。对于流行歌曲，有些低调的地方不需要像唱民歌一样每个字都在气息上，有时似一种悄悄话，有时像一种无奈的叹息，不会有强大的气流支持你的颤音，这时就需要你用一些小技巧来修饰你的尾音，我认为流行歌曲的颤音表现不完全靠气息顶出来，有时候抖抖喉结，控制嗓子眼里的声音也未尝不可，只要整体在歌曲的氛围之中不受影响即可。

没有颤音的朋友如果铁定对颤音垂涎三尺，就从模仿开始吧——模仿救护车叫唤。好笑吧？这只是没有声乐老师在身边、一种自我揣摩的方法，当然不属于常规的声乐练习。发出“呜呜”的依次循环高低的滑音（稍快），他能让你找到抖动喉结的感觉，慢慢的吧“呜呜”的发音转变成“嗯嗯”的发音，再慢慢的转成“你～”的发音，再唱一些“你”结尾的一句歌……呵呵，这只是一种感受喉结抖动的颤音方式，与气息发声不一样，保准声乐老师看了会气死！但没件事都需要循序渐进，慢慢揣摩，不妨试试。

最后再次发表一下我的观点，我们如果眼光放高一点，这段历史时期流行强调颤音的唱法，也许再过5年后就不流行强调颤音的唱法了。何必为了没有颤音而苦恼呢？颤音虽然能有效的渲染歌曲气氛，深沉而具有穿透力，但我也愿意喜欢听一些质朴、纯洁的声音。所以，只要用心唱就好，也许你会更有特色。

『陆』 通俗唱法应该如何教学呢和美声民族有何区别练声是一样的吗

通俗唱法多用自然嗓音，吐字清晰，亲切随意。这种因通俗歌曲而产生的唱法，即可称之为通俗唱法。既然是自然嗓音，吐字清晰，亲切随意。那么应该说：只要是爱好通俗歌曲，音准、节奏和嗓音没有太大的毛病，几乎都可以学。所以，欲学者，其音乐素质是参差不齐的。如果用太多专业术语教课，会让很多学习者丈二摸不到头脑。那么，我个人认为‘通俗唱法”应通俗教。
下面就此阐述我的观点：

我的教学过程和方法：由于我主要是教通俗唱法短训（速成）大课，并为此积累近千个课时的教学经验。我就此大概的说些我的教学过程和方法，分几点说明如下：

1、在每期开课的第一天，我会让每个人以清唱一段歌+自我介绍的方式互相认识。我趁此了解学生的嗓音、乐感、信心度等情况，并初步对他（她）们歌唱定位。
2、很多学习者因性格内向、信心度底等原因而缺乏主动性学习，甚至影响正常发音（主要就是不好意思在陌生人面前唱歌）。所以，我接下来的课，会围绕放松和大声朗诵及反复上台等训练。增加学生的信心和松弛度。做到在台上要面子、台下就没有面子。台上不要面子、台下就很有面子！
3、接下来就是呼吸训练，我的呼吸训练课是要打破常规练习唱歌呼吸技巧！ 可以让学员躺着、座着、玩着都可以练习！这样既打破了因时间、场合而产生的约束训练，还提高了学生的兴趣。
4、再接下来安排的课就是各种通俗歌唱技巧训练：包括通过发声修复嗓音练习、高低音练习、颤音练习、弱声练习、声门撞击练习、混合音掌握技巧、歌曲情感掌握技巧及本人自创的‘意念演唱法”。
5、舞台表演基本技巧：通过文字视像做动作、模拟表演、调侃式报幕谢幕、小小品等方法授课。

6、经常加强与学生交流、随时了解他（她）们进步状况和需求，不断纠错和鼓励。并保持轻松活泼的课堂环境，做到上课时是师生，下课是朋友。同时做到课外时间开通---除睡眠时间的随时歌唱指导热线。
7、最后安排多次模拟演（唱）出比赛，并我会逐个当场纠错、指正。最后基本做到每个人都有较明显的进步！

美声,民族,通俗的发声方法是不同的.
美声注重共鸣,没练过八九年的根本就不行.
民族嘛,跟美声有点相似啦,也不是随随便便就能唱好的.
通俗最好唱,只要用正确的发声方法,用感情,就能唱好了!

『柒』 怎么练声的 具体点 最好附录音

声音方面的训练：
1．气息：将手放在腰围的位置上，吸气，吸后保持片刻，用轻柔的“嘶”声有控制的慢慢呼出。注意点：吸气，保持，呼气的时间应大致相同
2．声音位置：合唱艺术寻求共性的主要手段靠的是共鸣位置，只有解决好各部位的共鸣位置才能取得合唱的共性。因为合唱的基础是声部的齐唱能力，声部的基础是个人基本功的提高，在合唱的用声上必须服从整体，才能达到协调，平衡，统一。
集体练声的目的是将发声器官的肌肉松弛而灵活起来，以便消除一切障碍。好的合唱音质来源于正确的歌唱姿势，应保持兴奋的状态和打开喉咙，放松下巴，张开两指大的口型，抬高软腭，用半打欠的感觉进行发声训练。
训练一般从中声区开始，先解决好由咽喉产生的基本音，通过口咽的共鸣腔体加以扩大。巩固中声区的唱法后，再向高低两声区扩展。低声区的训练比较容易见效，因为练低音的呼气压力较小，声带很自然地放松，用“mo”的母音下行练习，就能逐渐找到胸腔共鸣位置，再用“Ha”，“Ho”母音从弱到强找准位置扩大共鸣腔。高声区的训练难度较大，因为声音越高，呼气压力越大，容易造成声带和喉咙紧张，此时必须打开喉咙，稳定喉结，抬高软腭，用半音向上的方法，和“lu,lo,lv”的母音，轻声高位地寻找头腔共鸣位置，不断巩固，扩大音量。
3．哼鸣练习方法：上下牙不能咬紧，双唇轻轻闭合，舌根平放舌尖轻抵下齿根部；音量不要过强，有控制得气息支持，声音不要穿鼻而过，歌唱时鼻腔要有轻微的震动感，好象声音是从鼻腔上端的眉心处发出来的。这是歌唱发声的基础，其他母音都是在此基础上慢慢张开唇部——即ma;me;mi;mo;mu来进行变化的。练习时要将所有母音向哼鸣状靠拢。
4．弱声练习：弱声绝不是虚声，它需要有良好的气息支持；弱声声音虽小，但声带却是拉紧的，同时一定要把其他所有歌唱器官都打开（尤其是内口腔），使气息向下的力与喉头向上的力产生相互的对抗。弱声唱法可以避免由于气息过多地冲击声带而带来的损伤，可以克服听觉的主观性，可以培养内在的听觉能力，可以克服低音区容易垮下来等毛病。弱声唱法的最大好处还在于：容易使歌唱者在自然的状态下调整共鸣器官和声带的适度张力，从而获得“集中”，“平直”而“有焦点”的声音，形成歌唱的高位置。
用弱声唱法寻找高位置的头腔共鸣，应先从中声区开始，待中声区得到巩固之后再向两边扩展。（好的音高是建立在良好的中音区基础上的，强而有力的声音是建立在良好的弱声基础上的）
弱声练习的具体方法是：用u母音找到声道通畅，声音圆润竖起的头腔共鸣感觉，再以调整舌位的办法在u母音的基础上使声音靠前发出（yu）母音，坚持采用中弱，弱或很弱的力度进行，但声音不能虚，一定要有良好的气息支持。当u,yu母音得到巩固后，就可以加入其他母音的转换练习，但同样要保持住声音的高位置和弱唱的原则。同时在唱i母音时要想yu母音的感觉和状态，唱a母音时要想o母音的感觉和状态。这些感觉与母音转换时的练习要求是一致的。虽然“弱声演唱”不是训练的最终目的，但对于合唱艺术来说，首先应要求具有良好的音质而不是音量。音量的大小只是一个相对的概念，只有在获得良好音质的前提下才能要求音量的变化，而弱声唱法则是获得良好音质的重要一环，只有唱好弱声唱法，才能真正掌握“有控制的歌唱”的技巧。
5．歌唱者的呼吸：
日常生活中人们通过说话交流感情，因为一般距离较近时所需音量就较小，气息较浅，声音缺乏气息支持，没有力度，传不远。持续用嗓久了，嗓音容易疲劳，嘶哑。这种说话的呼吸方法若用于唱歌就不能胜任了。因为歌唱时，面对的往往是大庭广众，须将歌声传至每个角落。因而要求声音既要有一定音量，又要有力度的变化。要又长时间歌唱的能力，并要求将吸入的气息根据歌曲的需要（如时值长短，音调高低，声音强弱）有控制地，均匀地呼出。为此，在歌唱时必须保存于费部以供应歌唱所需要的足够的气息，不能让气息由于呼出而减少支持的压力。并且，歌唱者必须保持气息进入肺部时的吸气状态，并使由鼻，口进入的气息与肺部送出的气息，在膈肌处汇合。由上，下这两股气流的对抗平衡，使膈肌起到支持歌唱气息的作用。这就是声乐教学中常说的“横膈膜的支持”作用。当膈膜起到这样的作用时，呼吸才真成了歌唱发声的动力。要做到这些，不是简单容易，一蹴而就的事。因此声乐界有“谁懂得歌唱的呼吸，谁就会歌唱”之说。可见呼吸在歌唱中的重要性，它确实是歌唱者首先应该学会的一项基本功。
歌唱呼吸，一般说有三种类型：
（1）上胸式呼吸：是一种上胸控制呼吸的方法。它也叫做“锁骨呼吸法”。这种呼吸方法，吸气量少而浅仅及肺的上部，使膈肌与腹肌不能有效地参加工作。由于它的气息浅，依靠上胸支持，支点高，容易造成喉头与颈部周围的肌肉紧张，发出逼紧，干瘪，缺乏弹性的直声，这类现象在初学者特别是一些业余歌唱者身上较为多见。如吸气时，只挺起上胸，耸起双肩，颈部肌肉僵硬，呼气时，容易塌胸，漏气等等。可以说，这是一种需要纠正的，不好的歌唱呼吸方法。
（2）腹式呼吸：是一种依靠软肋扩张，小腹鼓起和呼吸的方法。它吸气比上胸式要深，但也有其局限性。由于吸气过深，气息往往不流畅，影响发声的部位，中低声区音色沉闷，声音缺乏灵活性，并出现音偏低的现象。
（3）胸腹式联合呼吸：这是中外声乐界普遍采用的，科学的，合乎生理机制规律的呼吸方法。它由横膈膜与两肋，小腹联合操作，具体方法：
①快吸慢呼：想象有一位离别很久的好友，突然出现在你面前，你惊奇地倒抽一口气，几乎喊叫出来，就停止在这种状态上，几秒钟后仿佛有一股外部的力量将小腹向后推压，感到小腹在与这股外来的力量的对抗中，气息徐徐向着上齿根的背后发送。这时横膈膜有力地起着支持作用。
②慢吸慢呼：根据实践经验，训练胸腹式联合呼吸，先练习快吸，使初学者可避免将自然的呼吸动作变得不自然，等到有了快吸慢呼的体会，再做慢吸慢呼的练习，就容易理解掌握。做这种练习时，可以设想你收到一束你喜爱的鲜花，你高兴地去闻花的芳香，这时你会发觉你的胸廓，自然地而不是人为地向前，向上抬起，而肋肌，包括腰部，同时向四周扩张，保持这种状态，仅将腹部横膈膜以下的肌肉群放松，送气。要注意的是吸气要与闻花时一样自然，平静，柔和。气不要吸得太多，但要吸到膈肌。气吸得过多，并不能解决歌唱时气不够用的问题。相反，易使身体僵硬，声音不流畅。
关于呼气，最重要的是要在呼气的过程中，始终保持吸气的状态，要让吸气肌肉群有控制地，慢慢地放松，使气息畅通无阻地输出，直至歌声，乐句，停顿，结束。其次，呼出的气息一定要均匀，有节制，不要时多，时少，时猛，时弱，破坏正常的歌唱状态。再次，呼气时以吸气下降的膈肌及下肋骨两侧为支点，但保持的力量不在肋骨上，而是在横膈膜上。歌唱者明确地感到了气息支点的部位后，就放松腹肌，，让气息由于腹肌的收缩而呼出，气息有了支点，歌声句落在所控制的气息上，所唱的每一个字，每一个音，就象光泽相同，大小相等的珠子，穿在一根线上。这就是歌唱者所追求的“有歌唱线条”的歌唱，这是歌唱者要学会掌握的呼吸技巧。
关于歌唱的用气，在我们的民族的歌唱语言噶叫做“运气”。这两个字确切地指出，歌唱者要有意识地指挥呼吸器官，控制呼吸，使“气沉丹田”，“发自丹田”，“氤氲自脐间出”（即小腹收缩，送气），并也说掌握了这种呼吸技巧，歌声可致“遏云响谷之妙”。
6．喉头位置和打开喉咙：喉头位置和打开喉咙是歌唱发声中，必然遇到和要加以解决的问题，因为喉头的位置及其在歌唱发声时的活动状态与呼吸的深浅，以及共鸣腔的调节关系密切，会直接影响嗓音的音质音色，力度，音波及声部的特征。喉头不稳定会使声音颤抖，如所谓“打摆子”；喉头偏高，发出的声音就虚弱无力或仿佛发自捏紧的喉管，声音窄亮，缺乏弹性。但若人为地粗暴地将喉头压低，声音就会发空发闷，滞重，摇幌，不能准确地唱在音上，以至损伤声带导致充血。
喉头放在向下吸气，或说深呼吸的位置上，比较适当。虽然，不发声时要做到这一点并不困难，难的是在发声时相对稳定在这个位置，不改变它的状态，特别是在唱强音和渐强时，不用喉头及其周围肌肉使劲。唱高音或低音时，不让喉头向上提升或向下压住。因为只有当喉头自然地处于深呼吸上时，才能形成一个坚固的共鸣管道，为发出有威力，有穿透力的声音，也为声区统一创造有利条件。
打开喉咙主要是指打开喉咽腔部分，使喉，口，鼻整个咽腔形成一个适合于发声共鸣的通道，气息畅通无阻地运行。当我们张开嘴，用口，鼻同时吸气，或“半打哈欠”时，我们的鼻，腔是开放的，口盖是积极收缩成拱形的，舌根放松，平放在下牙齿后，喉头处在吸气的位置上，这时的喉咙就是打开的，但要保持这种声音进行歌唱，殊非容易。它既需要气息的支持，又需要与吐字，共鸣，音乐等等各方协调一致，成为一个整体，才能取得良好的效果。否则会顾此失彼，互相干挠，陷入困境，对此，歌唱者既要有信心，又要有耐心，坚持苦练，仔细揣摩，教师则要用有经验的耳朵仔细聆听，辨别其适当与否，及时予以指导。
8．歌唱的姿态：从审美的角度来说，不端正歌唱者的姿态，将直接影响歌唱训练的正常进行和艺术表现。如有的学唱者歌唱时耸肩，塌胸，挺肚等不良习惯，这样歌声就得不到气息的支持。不能发出丰满圆润的歌声；有的爱仰着头唱，这样，他的喉头就不能保持在适当的位置上，发出的声音往往颤颤抖抖。有的则低着头唱，容易压迫喉头，使喉头及颈部肌肉紧张，影响声音的流畅，有的脸部肌肉不自然，松弛。良好的歌唱姿态：歌唱者应站得挺拔（不是僵硬）；两脚稍向两侧或前后分开；两腿站直，腰部稳定；脸部肌肉放松，表情自然，双眼向前平视，双肩略向后，保持绝对松弛，任何时候不要夹肩，缩脖，喉头附近的肌肉也必须保持松弛。总之，不要允许生体的任何与歌唱发声无关的部位有紧张感。当然，膈肌的支点除外。其次，背部的脊梁骨始终要有向上，下两端延伸的感觉，使胸廓能保持稍向上，向前抬起，并向四周扩张。
音准。有的人具备了很好的视唱练耳能力，有很好的音乐记忆。勿需太多的训练就能唱得很好。有的人识谱能力很强，不论是简谱还是五线谱，只唱几遍就能比较流畅地唱出来。但有更多的人必须刻苦练习，就像学英语一样，每天抓紧时间练习视唱，久而久之就会较快识谱。唱的音准与否和听力很有关系。这反面应多听钢琴，从单音开始，然后是二度音程，三度音程。。。。。。。循序渐进，音程熟悉了，再练习辨别和弦。辨别大三和弦，小三和弦及协和和弦，不协和和弦的区别。在练视唱的同时，要锻炼自己的音乐记忆，有的人开始就记住了一个“A”（6音），每天清晨起床，一开口就一个“6”音，再到琴上去对，看自己唱准了没有，这也是练习音准的办法，当然，最重要的还是按视唱教材，由浅入深地练习。