A. 对中国画的认识和感觉
中国画是中华民族创造的传统绘画，凝聚着我们民族几千年来的审美精神。它历史悠久、技法丰富，以其独特鲜明的艺术风格，屹立于世界美术之林。
中国画讲究笔墨情趣，强调意境，以笔墨传神达意，是中国画的主要艺术特征之一。中国画中，“笔”指的是笔法，“墨”指的是墨法。善于运用笔墨，既可状物（描摹物象）、传神，又可以达意和抒情。
中国画十分重视对物象本质的表现，造型一般注重从对象本身的结构特点出发，要求画面具有“形神兼备”、“气韵生动”的艺术形式。中国画从题材上分为人物、山水、花鸟三大类；表现技法上分工笔、写意等类别。中国画在幅式上有“立轴”、“手卷”、“册页”、“扇面”等，装裱形式别具一格。
人们常说中国的文化博大精深，确实如此。这是一条非常准确地经验。中国画作为中国文化的重要组成部分，它本身就已经博大精深了。唐朝的张彦远这样论述中国画的作用，认为它是可以“兴教化，助人伦，测幽微，穷神变”的。这确是中国画尤其是中国写意画可以做到的。老祖宗的这些观点、这些认识、这些经验到现在以至到未来都是可以指导我们深刻、准确阐述中国画的精神所在。
追随霍春阳先生二十余年的学习路径，在老师的导引下对中国画中线的理解和应用有一些体会。中华民族是聪明的、伟大的民族。民族文化和民族的传统对事物的概括性已经成为一种文化特征。体现到绘画上他所表现出来的是“以线造型”。相对于西方文化“以面造型”的绘画形式来看，“以线造型”更能承载中国文化的内涵。由此对线的要求，对线的表述能力的要求，也就是作为绘画语汇的功能要求就更高，难度就更大。所以对于线的理解、认识、训练应更为严谨。
中国画的线不只是一条轮廓线，它是讲精神内涵的，是一种精神的诉求，相对于西洋绘画的线则更丰富，是精神内涵的丰富，西洋绘画的轮廓线是不能比拟的．所以，对这种的塑造首先要解决的是做画人的文化修养，道德修养．也就是说线是可以反射出人的精神面貌和文化修养的．构成了具有个性的风格特点的线的形式，对这种线的要求，与其说是要求线的质量，不如说是否包容更多的文化内涵．”测幽微，穷神变”，中国画的线是能够满足这种要求的．能否达到此效果只是看做画人是不是具有满足这种条件的素质．
还是谈线，在中国的传统中只线描就归纳出十八种描法，但历朝历代众多的绘画大家们对线都有他们各自的理解，认识和表述，但是精神实质是一致的．要求有力度，有厚度，有内涵，有境界．大象无形这是一种境界，一种大的境界，这个大境界是中华民族的大境界．著名画家霍春阳先生曾经说过：”这个大境界就是定力极强的中庸思想”．为什么说大象无形是一种大境界，是因为所有事物的物象不代表事物的本质，事物的本质是有共性的，所以说这个共性就是大象，能够准确的把握事物的本质就是一种中庸．不偏之谓中，能够准确把握事物的本质就是中．
对把握线的能力的提高，是中国绘画中的一个关键所在．如果议论一下时下的中国画界，对线的质量的要求是不充分的，没有提高到一个应有的高度，这是一种遗憾．对绘画的装饰风格的强调偏重了，对线的表述能力忽略了，更有甚者以技法去哗众取宠．我认为这是一种文化的倒退.
“花开花落无间断，春来春去不相关。牡丹最贵为春晚，芍药虽繁只初夏。唯有此花开不厌，一年长占四时春。”这是苏东坡的欣叹悦誉下的月季。不随黄叶舞西风的菊花傲霜孤芳、花色纯丽给落花满地、花期已过的季节带来生机无限。千林归作一地黄，只有芙蓉独自芳。深秋时节，唯有它和菊花一起在百花寥落的西风中悄然开放。粉红、白、淡黄等，黄者少见较名贵，更有开花时淡红间白色，而后又渐变为深粉红色者，称“醉芙蓉”。开花时清姿雅质，烂漫妍丽，为秋花中最光艳者之一。美人蕉清而艳美，叶清花艳。“出淤泥而不染，濯清涟而不妖，中通外直，不蔓不枝，香远益清，亭亭净植，可远观而不可亵玩焉。”这一赞誉荷花的名句，早已脍炙人口。映入脑中，见于心中的便是一幅幅的中国画。清丽亦或是光艳，从容淡定亦或是潇洒飘逸……。中国画艺术是中国文化的强大载体。文字虽生动，但赶不上它的直观。音乐虽悠扬，但逊色于它的沉静。中国文化在中国画艺术中被挥洒得淋致。
B. 认识中国画美术书欣赏作品有哪些
中国十大传世名画分别是:
东晋·顾恺之《洛神赋图》
唐代·阎立本《步辇图》
唐代·张萱、周昉《唐宫仕女图》
唐代·韩滉《五牛图》
五代·顾闳中《韩熙载夜宴图》
北宋·王希孟《千里江山图》
北宋·张择端《清明上河图》
元代·黄公望《富春山居图》
明代·仇英《汉宫春晓图》
清代·郎世宁《百骏图》
古今中国最25幅亿元天价名画：
1、明代 唐寅《庐山观瀑图》2013年以5.9亿美元成交。
2、齐白石《松柏高立图·篆书四言联》2011年以4.255亿元人民币成交。
3、元代 王蒙《稚川移居图》2011年以4.02亿元人民币成交。
4、北宋佚名《子母猴》2011年以3.62亿元人民币成交。
5、黄泽金《我是中国人》2014年以2.988亿元人民币成交。
6、李可染《万山红遍》2012年以2.9325亿元人民币成交。
7、文徵明《潇湘八景诗画》2011年以2.84亿元人民币成交。
8、潘天寿《鹰石山花图》2015年以2.7945亿元人民币成交。
9、张大千《桃源图》2016年以2.7亿港币成交（约合人民币2.254亿元）。
10、徐悲鸿《九州无事乐耕耘》2012年以2.668亿元人民币成交。
11、傅抱石《毛主席诗意册》2011年以2.3亿元人民币成交。
12、郎世宁《乾隆大阅图》第四卷《行阵》2011年以2.037亿元人民币成交。
13、吴冠中《周庄》2016年以2.36亿港元(约合1.97亿元人民币)成交。
14、陈皋《蕃骑弄箫图》2011年以1.84亿元人民币成交。
15、唐寅《仿李唐山水》2011年以1.725亿元成交。
16、明代 吴彬《十八应真图》2009年以1.69亿元人民币成交。
17、张大千《嘉耦图》2011年以1.9106亿元港币成交。
18、吴冠中《长江万里图》2011年以1.495亿元人民币成交。
19、石涛《闽游赠别山水卷》2011年以1.36亿元人民币成交。
20、清代徐扬《平定西域献俘礼图》2009年以1.34亿元人民币成交。
21、清代 钱维城《雁荡图》手卷2010年以1.2992亿元人民币成交。
22、黄胄《欢腾的草原》2013年以1.288亿元人民币成交。
23、八大山人《山水卷》2012年以1.1615亿元人民币成交。
24、常玉《五裸女》2011年以1.07亿元人民币成交。
25、乾隆玉玺2011年以1.14以元成交
至今当代中国十三大最贵健在画家个人最贵十三幅天价画作：
当代中国最贵13幅天价名画:
1、黄泽金《我是中国人》2014年以2.988亿元人民币成交。
2、崔如琢《丹枫白雪》2014年以1.84亿元港币成交。
3、曾梵志《最后的晚餐》2013年以1.81亿元港币成交。
4、靳尚谊《塔吉克新娘》2013年以8510万元人民币成交。
5、张晓刚《生生息息之爱》2011年以7906万元港币成交。
6、范曾《八仙图》镜心2011年以6900万元人民币成交。
7、黄永玉《田家梅》2013年以6325万元人民币成交。
8、刘文西《幸福渠》2010年以4592万元人民币成交。
9、岳敏君最贵的《处决》2007年以4400万元人民币成交。
10、周春芽最贵的《石头系列雅安上里（三联画）》2012年以2990万元人民币成交。
11、王明明最贵的《蒲松龄先生讲书图》 镜心2000年以1380万元人民币成交。
12、史国良最贵的《转经图》 镜片 2014年以1173万元人民币成交。
13、刘大为最贵的《天山迁徙》2014年以1058万元人民币成交。
至今起拍价最贵的二大画家的画：
1、现代 黄泽金《九九九九九九九九九华龙和谐图》2015年起拍价19亿元港币。
2、近代 齐白石《山水十二条屏》2015年起拍价10亿元人民币。
至今中国最贵5幅亿元天价书法艺术作品：
1、北宋 黄庭坚《砥柱铭》2011年以4.368亿元人民币成交。
2、王羲之《平安帖》手卷 2010年以 3.080亿元人民币成交。
3、清朝 乾隆皇帝御笔手卷《白塔山记》2014年以1.1615亿元人民币成交。
4、北宋 曾巩的书法《局事帖》2009年以1.080亿元成交人民币成交。
5、《宋元名贤题徐常侍篆书之迹》手卷 2009年以1.008万元人民币成交。
C. 作文(认识中国画)150字
现在所谓的中国画历史悠久，远在2000多年前的战国时期就出现了画在丝织品上的绘画——帛画，这之前又有原始岩画和彩陶画。这些早期绘画奠定了后世中国画以线为主要造型手段的基础。两汉和魏晋南北朝时期，社会由稳定统一到分裂的急剧变化，域外文化的输入与本土文化所产生的撞击及融合，使这时的绘画形成以宗教绘画为主的局面，描绘本土历史人物、取材文学作品亦占一定比例，山水画、花鸟画亦在此时萌芽，同时对绘画自觉地进行理论上的把握，并提出品评标准。隋唐时期社会经济、文化高度繁荣，绘画也随之呈现出全面繁荣的局面。山水画、花鸟画已发展成熟 ，宗教画达到了顶峰，并出现了世俗化倾向；人物画以表现贵族生活为主，并出现了具有时代特征的人物造型。五代两宋又进一步成熟和更加繁荣，人物画已转入描绘世俗生活，宗教画渐趋衰退，山水画、花鸟画跃居画坛主流。而文人画的出现及其在后世的发展，极大地丰富了中国画的创作观念和表现方法。元、明、清三代水墨山水和写意花鸟得到突出发展，文人画成为中国画的主流，但其末流则走向因袭模仿 ，距离时代和生活愈去愈远。中国画自19世纪末以后在近百年引入西方美术的表现形式与艺术观念以及继承民族绘画传统的文化环境中出现了流派纷呈、名家辈出、不断改革创新的局面。
D. 如何认识理解中国绘画
中国画按内容分，主要有人物画、山水画、花鸟画三大类。
战国时，中国已经有了比较成熟的人物画，唐朝时达到了顶峰。著名的人物画家有顾恺之、吴道子等。
山水画是表现山川美景的画种。它产生于秦代，隋唐时成为独立的画种，宋代达到了很高的水平。著名的山水画家有李思训、王维、唐寅等。
花鸟画画的是自然界中的花卉、鸟兽、鱼虫。南北朝时出现了花鸟画，宋代走向成熟。著名的花鸟画家有擅长画花鸟的朱耷、擅长画竹子的郑燮、擅长画鱼虾的齐白石等。
中国画按画法分，主要有工笔画和写意画。工笔画的特点是按照事物原来的样子，一笔一笔画得非常细致，尤其注重细节的描绘；写意画是一种概括、夸张的画法，要求用简单的笔墨画出事物的神韵，虽然笔墨简单，但意趣生动，表现力特别强。
一幅国画作品，除了图画以外，还有诗文和印章。因此，中国画是诗、书、画、印相结合的艺术。它的艺术成就和民族风格早已受到世界人民的赞誉。中国画不仅能美化人们的生活，而且能给人们带来高雅的情趣和艺术享受。
中国画是中华民族之骄傲，以我国所特有的绢、宣纸、毛笔和墨，绘景抒情形成独特艺术风格，屹立于世界艺术之林，是前人给我们留下的丰厚遗产。随着时代的发展中国画在村料与表现内容上也具有新的发展。
中国画追求的最高境界是绘画作品的意境之美和笔墨之美。追求意境，这和中国诗词的发展息息相关。“大漠孤烟直，长河落日圆”从这句诗中让人看到一幅壮丽的画。同样一幅画也是一首诗，是作者内心的渲泄。祝允明说过“绘事不难于写形而难于得意，得真意而点出之则万物之理，挽于尺素间矣，不其难哉。”创意难，意在何处?意在反映万事万物里所包含的某种道理，所以中国绘画特别强调画家对客观对象的主观能动精神，倘若画家在其作品中真的把握住客观对象的本质，则绘画的境界即显出很高的审美特征。
《易•系辞》中的说的“立象以尽意”所以对中国画的学习应是“取法乎上，而气韵不可学”在意境方面人人都可以向更高的格调攀登，当然这需要提高作画者各方面的修养。
中国画与西洋画最大不同在于我们用线条来表现，它的每一点每一笔都有表现力。一代宗师潘天涛所绘的画中，可看到许多线条组合的画面，几乎每一点每一线都可成为一张精彩的画，使人百看不厌。虚实问题对于中国也比西洋画重要。中国画的“虚”为留白，西洋画则仍为色彩。从一定程度上讲，留白比填色更难。这一切的种种都是前人留给我们的丰厚遗产，我们应为此感到骄傲。
中国画不可能自己成就自己,需要学术思想的帮助。学术思想对书画的艺术本质和风格的形成起了关键作用，儒家思想使书画贴近民众,使国画一直存在着理性精神，国画严格按照礼学观念去构建，把书中有画，画中有书给予理性秩序的概括，强调主观的由情而发的“心境”；老庄思想使书画表现出一些尽显才智、尽显虚无飘渺的唯美倾向.老庄的审美方式是独特的，强调对自然和自身的体验，强调抒情性，在笔墨的处理上有着极大的自由度和自主性。虽然儒道两家分别从理性、感性，一正一反，一 出一入的不同侧面入手，但为何能在书法中协调起来，就是因为在笔墨表现“情境”的“意象”性质上是一致的。儒道思想的特有气质、人生理念和思维方式决定了书法的意象境界，超越了感性与理性的对立，使书画成为了一个被直接把握的、直观的、原初经验性的美之现象。虽有图解之嫌，但儒道思想提升了书法的题旨和内在意蕴，使其扩大了“感觉”的范围和空间，并形成了自己的特点
但是，当今中国社会的各个领域,确切地讲应该是一个非常浮躁,非常喧嚣的世界.一切一起都使人感觉到了急功近利,见利忘义.中国画的领域也是如此,面对这样一个物欲横流的世界,很少有人可以静静地在那里探索什么笔墨的奥妙,也很难去做.都巴不得今天学一天中国画,明天就可以去卖钱,明天就是大师了.
中国画是寂寞之道,讲究凝神定气,波澜不惊.非宁静无以致远,非淡泊无以明志.不是依靠浮躁之气而产生发展的，如果真的是这样，那么中国画讲究的儒家道家佛家三位合一的境界又在哪里？
近代以来，徐悲鸿、林风眠等老一辈中国画家不断吸取西方美术元素中的写实主义、现代主义手法，对中国画进行创新发展，使他们笔下的中国画形成了不同于传统中国画的新面貌，并逐渐占据了当今中国画的主导地位。为适应新的形势，当今的中国画也必须不断创新。虽然中国画毕竟是不同于西方绘画的独立绘画品种，它以笔墨来写意，有自己独特的创作与欣赏品格。但是中西方美术之间可以对话交流、互相借鉴，同样也决不能因此丧失中国画自己的特色与地位。
正如前面说过中国画的许多优秀之处是西画所无法比的。无论怎样都不应失其民族性，否则这艺术便毫无价值。不少人常说改革开放的时代，国画也要开放，也要中西结合，对于这观点我认为流于肤浅。开放是要开放的，结合当然也是必要的。但这个中西结合该如何个结合法呢?长期以来中国绘画的意境、气韵都是西方人所无法理解的，是中国绘画的经典之处。中西方的生活环境、文化传统不同，人的思想情感当然不同，所以这个意境是不适于中西结合而讲的。有些人甚至去极力模仿西方一些大师，勉强的搬到自己画上，凑成所谓的“中西结合”这种结合我认为是不可取的。所以，我觉得目前为止这个结合可从材料上去考虑在
不变其本质前提下更新。或在原有的勾、皴、擦、点染手法上进一步扩展。中国画从古发展到今在不觉中已形成一种程式化，今天我们应突破这一程式，吸收西方绘画优秀的东西。
“笔墨当随时代”中国画面临的更大一个课题便是内容上的问题。传统的中国绘画有雄伟壮丽的山水景色，同时有崇山峻岭，残山幽峪，喜欢在大自然中修身养性。时代的生活方式、节奏在改变，中国画也须扩大题材范围，去表现新的审美情趣。
中国画——历史留下的丰厚遗产，值得我们继承发扬。
E. 对中国画的认识
中国画是中华民族创造的传统绘画，凝聚着我们民族几千年来的审美精神。它历史悠久、技法丰富，以其独特鲜明的艺术风格，屹立于世界美术之林。
中国画讲究笔墨情趣，强调意境，以笔墨传神达意，是中国画的主要艺术特征之一。中国画中，“笔”指的是笔法，“墨”指的是墨法。善于运用笔墨，既可状物（描摹物象）、传神，又可以达意和抒情。
中国画十分重视对物象本质的表现，造型一般注重从对象本身的结构特点出发，要求画面具有“形神兼备”、“气韵生动”的艺术形式。中国画从题材上分为人物、山水、花鸟三大类；表现技法上分工笔、写意等类别。中国画在幅式上有“立轴”、“手卷”、“册页”、“扇面”等，装裱形式别具一格。
人们常说中国的文化博大精深，确实如此。这是一条非常准确地经验。中国画作为中国文化的重要组成部分，它本身就已经博大精深了。唐朝的张彦远这样论述中国画的作用，认为它是可以“兴教化，助人伦，测幽微，穷神变”的。这确是中国画尤其是中国写意画可以做到的。老祖宗的这些观点、这些认识、这些经验到现在以至到未来都是可以指导我们深刻、准确阐述中国画的精神所在。
追随霍春阳先生二十余年的学习路径，在老师的导引下对中国画中线的理解和应用有一些体会。中华民族是聪明的、伟大的民族。民族文化和民族的传统对事物的概括性已经成为一种文化特征。体现到绘画上他所表现出来的是“以线造型”。相对于西方文化“以面造型”的绘画形式来看，“以线造型”更能承载中国文化的内涵。由此对线的要求，对线的表述能力的要求，也就是作为绘画语汇的功能要求就更高，难度就更大。所以对于线的理解、认识、训练应更为严谨。
中国画的线不只是一条轮廓线，它是讲精神内涵的，是一种精神的诉求，相对于西洋绘画的线则更丰富，是精神内涵的丰富，西洋绘画的轮廓线是不能比拟的．所以，对这种的塑造首先要解决的是做画人的文化修养，道德修养．也就是说线是可以反射出人的精神面貌和文化修养的．构成了具有个性的风格特点的线的形式，对这种线的要求，与其说是要求线的质量，不如说是否包容更多的文化内涵．”测幽微，穷神变”，中国画的线是能够满足这种要求的．能否达到此效果只是看做画人是不是具有满足这种条件的素质．
还是谈线，在中国的传统中只线描就归纳出十八种描法，但历朝历代众多的绘画大家们对线都有他们各自的理解，认识和表述，但是精神实质是一致的．要求有力度，有厚度，有内涵，有境界．大象无形这是一种境界，一种大的境界，这个大境界是中华民族的大境界．著名画家霍春阳先生曾经说过：”这个大境界就是定力极强的中庸思想”．为什么说大象无形是一种大境界，是因为所有事物的物象不代表事物的本质，事物的本质是有共性的，所以说这个共性就是大象，能够准确的把握事物的本质就是一种中庸．不偏之谓中，能够准确把握事物的本质就是中．
对把握线的能力的提高，是中国绘画中的一个关键所在．如果议论一下时下的中国画界，对线的质量的要求是不充分的，没有提高到一个应有的高度，这是一种遗憾．对绘画的装饰风格的强调偏重了，对线的表述能力忽略了，更有甚者以技法去哗众取宠．我认为这是一种文化的倒退.
“花开花落无间断，春来春去不相关。牡丹最贵为春晚，芍药虽繁只初夏。唯有此花开不厌，一年长占四时春。”这是苏东坡的欣叹悦誉下的月季。不随黄叶舞西风的菊花傲霜孤芳、花色纯丽给落花满地、花期已过的季节带来生机无限。千林归作一地黄，只有芙蓉独自芳。深秋时节，唯有它和菊花一起在百花寥落的西风中悄然开放。粉红、白、淡黄等，黄者少见较名贵，更有开花时淡红间白色，而后又渐变为深粉红色者，称“醉芙蓉”。开花时清姿雅质，烂漫妍丽，为秋花中最光艳者之一。美人蕉清而艳美，叶清花艳。“出淤泥而不染，濯清涟而不妖，中通外直，不蔓不枝，香远益清，亭亭净植，可远观而不可亵玩焉。”这一赞誉荷花的名句，早已脍炙人口。映入脑中，见于心中的便是一幅幅的中国画。清丽亦或是光艳，从容淡定亦或是潇洒飘逸……。中国画艺术是中国文化的强大载体。文字虽生动，但赶不上它的直观。音乐虽悠扬，但逊色于它的沉静。中国文化在中国画艺术中被挥洒得淋致。
浅谈对中国画的认识 在老师讲的众多内容中，给我印象最深的是，老师为我们展示的一些西方的画与中国的画。特别是这其中的反差。记得当时老师为我们展现的中国画的内容是唐三彩。这也使我对中国画多了一些了解，所以，我想谈一下，在对这门课的学习后，我对中国画的一些了解与认识。首先我想说对于我们来说，对国画的认识是有裨益的。各类的中国画首先给人一种意境美和音乐美，在使人在了解画的同时，也得到审美能力的锻炼。 在这我就谈一下自己对中国画的认识，我觉得了解中国画首先应该了解中国画的产生，发展及其内在精神。中国画是中国传统的精致文化，是我国民族智慧的结晶，民族情感的表现，在世界艺术林苑中占有重要位置。然而中学生在欣赏中国画时往往不得要领只看皮毛，就自然感受不到这一国粹的精妙之处。欣赏中国画应从以下几个方面入手，才能得其精神，感受其作为"四大国粹"的艺术光芒。
山水画萌芽于晋朝，顾凯之在《魏晋胜流画赞》中第一句就是“凡画，人最难，次山水，次狗马”，山水画已成为一个主要表现题材，我觉得人对人自己认识太深才觉得每幅画人的言态表现得不尽人意，山水可夸大其气势表达出其意境即可，狗马只须表达出其形而已从顾凯之仅有的山水画《洛神赋图》中可以窥见当时山水画初期形态的端倪，基本上如唐代张彦远在《历代名画记》中的所记载的样子，传本〈洛神赋图〉中的山水部分，确实如其所言“群峰之势，若细饰犀拮”，或“水不容泛，人大于山”无论是山水还是树石，都表现为高度的概括化，比如树的表现，银杏树仅象征性地以三五片银杏叶概括，树枝的“列植之状”也是“若神臂布指，离现实生活中真实的印行树有很大距离，正如前边所论“凡画，人最难，次山水，次狗马”。山石仅以“高古游丝”线条勾勒，而没有皴法，但我认为，水法和云法的表现是极为纯熟的，水云的流态动势相当完美，由此可见，山水画的表现在当时已达到的艺术水准只是没有后来的布局合理罢了。 初期的山水画往往是人物活动的背景，配景，即使独立为一个专门画种也是需要一个发展过程的，山水画初期的这种形态是不足为奇的，虽然我们现在已不能得睹六朝时期的山水画作品而且见于史料的早期山水画家也不是很多，顾凯之、宗炳、王微等人关于山水画论的发展为当世山水画的发展和成熟作了理论上的准备历隋唐，五代诸朝，山水画渐盛。他们可谓山水画的先驱，六朝时期是中国山水画的真正起点，虽说是中国历史上政治最黑暗的时期，却导致了美学上的最灿烂，我认为这应该归功于当时不忍心目睹石灰的琴棋书画的隐士，且当时类似于陶哦渊明，谢灵运的隐逸思想普遍流行，此时人们对自然美有了更深的认识更促进中国山水画的发展，谢灵运《山居赋》中所记载的始宁山就是典型的例证，他的山水诗开拓了山水诗写实的审美之路，王维的“诗中有画，画中有诗”也正说明了中国山水画的发展也益于诗的发展和衍生。 山水画在六朝时期兴起的另外一个重要原因是艺术家自身的发展。汉以前的艺术家往往以工匠身份出现他们都依靠绘画的手艺谋生，绘画是功利的，必须围绕服务对象的要求进行创作，但也不同程度促进山水画的发展。 说山水画的内在精神，中国山水画十分强调作者的主观因素，在山水画创作中，作者对自然界的认识理解，以及作者的情感流露是起着主导作用的，画家应当“以情入画”力求“情景交融”，正如在一幅山水画上题一首诗或多一个红戳更能增加山水画的内在精神和蕴涵，在对客体世界有一个多侧面深层次认识的基础上凭借心灵感受概括勾画出山水形象，者便是“迁想妙得”许多优秀的山水作品所显露出来的气质和高雅的格调，并不仅仅是因为作者具有深厚的笔墨功力，更重要的是作者具有饱满的创作激情和高深的文学修养。因此山水画家的学识越高，创作后劲也就越大。唐代山水家的学识越高，创作后劲也就越大，如“外师造化，中得心源”，“搜尽奇峰打草稿”均提倡到生活中去，到实践中去。 欣赏中国山水画我觉得应该首先了解中国山水画的内在精神，中国山水画是中华民族艺术知会的宝贵结晶，是灿烂的中华文化的一个重要组成部分，在它自身发展的过程中，逐步地形成了一个完整的独立的艺术体系，所以民族性是中国山水画最显著的特征之一，中国山水画体现了中国人特有的审美情趣，即简练、恬静、含蓄和韵律等。 其实山水画从一开始就与其它的道、佛家、儒家有关，佛家的禅宗对中国山水画的创作影响也是值得讨论的，它没有连续性和次序性，认定在精神上能够出现自发性的领悟，这种领悟实际上是对人世解忧的解脱和心理障碍的排除，而这些又恰恰是中国山水画家们孜孜以求的。 佛家是对中国文化影响最大的思想体系，孔子最早提出“仁者乐山，智者乐水”，是以道德价值来评价山水，但是这种对大自然的审美追求，客观上已超出了道德的范畴，其中的中和之美构成了中国传统山水画感情含蓄，气息平和的总体风格。 儒佛道的自然观影响于山水画共同点有三个：一是取法自然，用于自然的统一，二是静态与动态的统一，三是客观世界与主观世界的统一。中国山水画深刻的思想内涵是与中国古典哲学有着直接的因果关系。绘画不能没有哲学思考，没有哲学思考的绘画是没有灵魂的绘画。 作山水画须先胸有丘壑。“意在笔先”是中国画构图的特点，落笔后应意到笔随。我们不能忽视道家这里的深远影响，传统中国画家长期艺术实践中都自觉和不自觉地受到潜移默化的熏陶。作画在落笔时就应考虑各种阴阳关系，加以对比此和谐的处理，如方圆，横直，点线，刚柔，浓淡，冷暖，轻重，虚实等等。山本静，水流则动；石本顽，树活则灵”正所谓山水之静动，顽与灵，均是大自然中存在的各种阴阳节奏关系，作为山水画家如果不自觉到自觉地运用这些关系，笔下可如神助。 其实，从个人观点，我感觉速写，素描，水粉与山水画之间无不有很大的联系，其明暗，线条的刚柔等等，最重要的一点是它们都遵守透视规律是不同于装饰画的。 中华民族的历史源远流长，中国建筑、文化艺术、人的思维方式都受传统美学思想的影响。 中国画的历史是为了承前启后，我们应齐心协力，使中国画这个传统的画钟更加繁盛。
F. 谈谈自己对中国国画的认识
在这我就谈一下自己对中国画的认识，我觉得了解中国画首先应该了解中国画的产生，发展及其内在精神。中国画是中国传统的精致文化，是我国民族智慧的结晶，民族情感的表现，在世界艺术林苑中占有重要位置。然而中学生在欣赏中国画时往往不得要领只看皮毛，就自然感受不到这一国粹的精妙之处。欣赏中国画应从以下几个方面入手，才能得其精神，感受其作为"四大国粹"的艺术光芒。
山水画萌芽于晋朝，顾凯之在《魏晋胜流画赞》中第一句就是“凡画，人最难，次山水，次狗马”，山水画已成为一个主要表现题材，我觉得人对人自己认识太深才觉得每幅画人的言态表现得不尽人意，山水可夸大其气势表达出其意境即可，狗马只须表达出其形而已从顾凯之仅有的山水画《洛神赋图》中可以窥见当时山水画初期形态的端倪，基本上如唐代张彦远在《历代名画记》中的所记载的样子，传本〈洛神赋图〉中的山水部分，确实如其所言“群峰之势，若细饰犀拮”，或“水不容泛，人大于山”无论是山水还是树石，都表现为高度的概括化，比如树的表现，银杏树仅象征性地以三五片银杏叶概括，树枝的“列植之状”也是“若神臂布指，离现实生活中真实的印行树有很大距离，正如前边所论“凡画，人最难，次山水，次狗马”。山石仅以“高古游丝”线条勾勒，而没有皴法，但我认为，水法和云法的表现是极为纯熟的，水云的流态动势相当完美，由此可见，山水画的表现在当时已达到的艺术水准只是没有后来的布局合理罢了。 初期的山水画往往是人物活动的背景，配景，即使独立为一个专门画种也是需要一个发展过程的，山水画初期的这种形态是不足为奇的，虽然我们现在已不能得睹六朝时期的山水画作品而且见于史料的早期山水画家也不是很多，顾凯之、宗炳、王微等人关于山水画论的发展为当世山水画的发展和成熟作了理论上的准备历隋唐，五代诸朝，山水画渐盛。他们可谓山水画的先驱，六朝时期是中国山水画的真正起点，虽说是中国历史上政治最黑暗的时期，却导致了美学上的最灿烂，我认为这应该归功于当时不忍心目睹石灰的琴棋书画的隐士，且当时类似于陶哦渊明，谢灵运的隐逸思想普遍流行，此时人们对自然美有了更深的认识更促进中国山水画的发展，谢灵运《山居赋》中所记载的始宁山就是典型的例证，他的山水诗开拓了山水诗写实的审美之路，王维的“诗中有画，画中有诗”也正说明了中国山水画的发展也益于诗的发展和衍生。 山水画在六朝时期兴起的另外一个重要原因是艺术家自身的发展。汉以前的艺术家往往以工匠身份出现他们都依靠绘画的手艺谋生，绘画是功利的，必须围绕服务对象的要求进行创作，但也不同程度促进山水画的发展。 说山水画的内在精神，中国山水画十分强调作者的主观因素，在山水画创作中，作者对自然界的认识理解，以及作者的情感流露是起着主导作用的，画家应当“以情入画”力求“情景交融”，正如在一幅山水画上题一首诗或多一个红戳更能增加山水画的内在精神和蕴涵，在对客体世界有一个多侧面深层次认识的基础上凭借心灵感受概括勾画出山水形象，者便是“迁想妙得”许多优秀的山水作品所显露出来的气质和高雅的格调，并不仅仅是因为作者具有深厚的笔墨功力，更重要的是作者具有饱满的创作激情和高深的文学修养。因此山水画家的学识越高，创作后劲也就越大。唐代山水家的学识越高，创作后劲也就越大，如“外师造化，中得心源”，“搜尽奇峰打草稿”均提倡到生活中去，到实践中去。 欣赏中国山水画我觉得应该首先了解中国山水画的内在精神，中国山水画是中华民族艺术知会的宝贵结晶，是灿烂的中华文化的一个重要组成部分，在它自身发展的过程中，逐步地形成了一个完整的独立的艺术体系，所以民族性是中国山水画最显著的特征之一，中国山水画体现了中国人特有的审美情趣，即简练、恬静、含蓄和韵律等。 其实山水画从一开始就与其它的道、佛家、儒家有关，佛家的禅宗对中国山水画的创作影响也是值得讨论的，它没有连续性和次序性，认定在精神上能够出现自发性的领悟，这种领悟实际上是对人世解忧的解脱和心理障碍的排除，而这些又恰恰是中国山水画家们孜孜以求的。 佛家是对中国文化影响最大的思想体系，孔子最早提出“仁者乐山，智者乐水”，是以道德价值来评价山水，但是这种对大自然的审美追求，客观上已超出了道德的范畴，其中的中和之美构成了中国传统山水画感情含蓄，气息平和的总体风格。 儒佛道的自然观影响于山水画共同点有三个：一是取法自然，用于自然的统一，二是静态与动态的统一，三是客观世界与主观世界的统一。中国山水画深刻的思想内涵是与中国古典哲学有着直接的因果关系。绘画不能没有哲学思考，没有哲学思考的绘画是没有灵魂的绘画。 作山水画须先胸有丘壑。“意在笔先”是中国画构图的特点，落笔后应意到笔随。我们不能忽视道家这里的深远影响，传统中国画家长期艺术实践中都自觉和不自觉地受到潜移默化的熏陶。作画在落笔时就应考虑各种阴阳关系，加以对比此和谐的处理，如方圆，横直，点线，刚柔，浓淡，冷暖，轻重，虚实等等。山本静，水流则动；石本顽，树活则灵”正所谓山水之静动，顽与灵，均是大自然中存在的各种阴阳节奏关系，作为山水画家如果不自觉到自觉地运用这些关系，笔下可如神助。 其实，从个人观点，我感觉速写，素描，水粉与山水画之间无不有很大的联系，其明暗，线条的刚柔等等，最重要的一点是它们都遵守透视规律是不同于装饰画的。 中华民族的历史源远流长，中国建筑、文化艺术、人的思维方式都受传统美学思想的影响。 中国画的历史是为了承前启后，我们应齐心协力，使中国画这个传统的画钟更加繁盛。
G. 四下认识中国画写感受200字
中国水墨画是中华艺苑中的一颗明珠，有一千多年的历史，深受中外人士的喜版爱。学生学习水权墨画，既可以使他们掌握一些基本技法，为以后进一步学习打下基础，又可以使他们受到艺术熏陶，培养高尚的情操和对祖国优秀文化遗产的热爱。作为一名美术教师，我觉得应该充分挖掘祖国的民族文化，利用这些宝贵的资源，通过小学水墨画教育这个载体，培养小学发现、感知和表现生活中的美。培养小学健康的审美情趣，促进小学的兴趣、自信、创新等心理品质的和谐发展。并且，水墨画用毛笔画画，能大能小，挥洒自如，很适合儿童作画大胆、想象丰富、构思随意的特点。所以，只要耐心引导他们掌握水墨画的用笔、用墨、用色的一些方法和技巧，充分发挥儿童的想象力，你的面前就会呈现出一片新的艺术天地。现就我辅导学生学习水墨画谈几点体会。